Guitarristas Leyendas

En esta sección encontrarás compositores y guitarristas que son leyendas de la guitarra, de 1530 a 1850 son mas los registros en la historia de la guitarra de los compositores que de los interpretes, sin embargo después de 1860 comienzan existir grabaciones de grandes interpretes del instrumento y ya gracias a las casas discográficas existen registros hoy en día de grandes guitarristas los cuales han aportado nuevas formas de expresión en el instrumento situándolos como leyendas de la guitarra al igual que los compositores contemporáneos.

John Dowland
John Dowland (1563 - 20 de febrero de 1626) fue un compositor y laudista inglés, uno de los músicos más famosos de su época. Se conoce muy poco de la vida temprana de Dowland, pero generalmente se admite que nació en Londres o posiblemente Dublín. Se sabe que en 1580 fue a París, donde trabajó al servicio del embajador de Inglaterra ante la corte de Francia. Allí se convirtió al catolicismo tras amenazas del emperador y posiblemente trabajó hasta 1587. Después de buscar en vano un puesto en la corte protestante de Isabel I de Inglaterra, según él debido a su conversión, estuvo al servicio del duque de Brunswick y del conde de Hesse. Asimismo viajó a Italia. Desde1598 trabajó como músico en la corte de Christian IV de Dinamarca. Volvió a Inglaterra en 1606 y por fin en 1612 obtuvo un puesto como laudista de Jacobo I de Inglaterra. También tocaba sus canciones a un público extenso. Murió en Londres. Aunque fue famoso en su época como laudista y cantante, hoy en día es reconocido como un gran compositor de música melodiosa y armónica. Compuso 87 canciones (para voz y laúd) que se publicaron en tres Books of Songs or Ayres (1597, 1600 y 1603), A Pilgrims Solace (1612) y Musical Banquet (publicado por su hijo Robert en 1614). Sus demás obras incluyen: Lachrimae (1604), conteniendo 21 obras instrumentales, y muchas piezas para laúd solo. Su música a menudo muestra la melancolía que estaba de moda en esa época. Una de sus obras se llama Semper Dowland, semper dolens('Siempre Dowland, siempre triste') y se podría decir que es una descripción adecuada de su obra. John Dowland fue el más famoso de los primeros interpretes de instrumento de cuerda antecesor a lo que hoy llamamos guitarra de seis cuerdas.

Gaspar Sanz


Gaspar Sanz (Calanda, Teruel, 4 de abril de 1640 - Madrid, 1710), de nombre real Francisco Bartolomé Sanz Celma, fue un compositor y guitarrista del Barroco español. La fecha de su nacimiento corresponde con la del Milagro de Calanda (1640). Estudió música, teología y filosofía en la Universidad de Salamanca, donde posteriormente parece que llegó a ser Catedrático de Música. Aprendió a tocar la guitarra en Nápoles, donde fue organista en la corte real. En Italia fue discípulo de Cristóbal Carisani y de Julio Colista. Su actividad literaria fue igualmente importante. Su obra capital la escribió al regreso de su viaje a Italia, recibiendo grandes elogios. Murió en Madrid en 1710. Instrucción de música sobre la guitarra española. En 1674 publicó su primera obra importante para guitarra barroca, la Instrucción de música sobre la guitarra española y métodos de sus primeros rudimentos hasta tañer con destreza, que ampliaría más tarde dos veces. En total hubo siete ediciones, todas en los talleres de impresión de los Herederos de Diego Dormer, de Zaragoza. Las cinco primeras ediciones fueron dedicadas a don Juan José de Austria, del que era instructor musical. El título original era "Instrucción de Música sobre la guitarra española y Método de sus primeros rudimentos, hasta tañerla con destreza, con dos laberintos ingeniosos, variedad de sones y dances de rasgueado y punteado, al estilo español, italiano, francés y inglés, con un breve tratado para acompañar con perfección sobre la parte muy esencial para la guitarra, arpa y órgano, resumido en doce reglas y ejemplos los mas principales de contrapunto y composición, dedicado al Serenísimo Señor, el Señor Iván, compuesto por el Licenciado Gaspar Sanz, aragonés, natural de la Villa de Calanda, Bachiller en Teología por la Insigne Universidad de Salamanca". La obra enseña teoría de la música y técnicas para tocar música.

Fernando Sor

Fernando Sor (13 de febrero de 1778 - 10 de julio de 1839) fue un guitarrista y compositor nacido en Barcelona. Se le conoce a veces como el "Beethoven de la guitarra" en España. Nacido en el seno de una familia bastante acomodada, Sor descendía de una larga línea de soldados e intentó continuar esa tradición, pero se apartó de ella cuando su padre le introdujo en la ópera italiana. Se enamoró de la música y abandonó la carrera militar. Junto a la ópera, su padre también le orientó hacia la guitarra cuando, por entonces, era poco más que un instrumento tocado en tabernas, tenido por inferior a los instrumentos de la orquesta. Sor estudió música en la Escolanía del Monasterio de Montserrat, próximo a Barcelona, hasta que su padre murió. Su madre no pudo seguir financiando sus estudios y lo retiró. Fue en este monasterio donde comenzó a escribir sus primeras piezas para guitarra. En 1797 tuvo lugar en el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona el estreno de su ópera Telémaco en la isla de Calipso. En 1808, cuando Napoleón Bonaparte invadió España, pasó a escribir música nacionalista para la guitarra, acompañada a menudo por líricas patrióticas. Después de la derrota del ejército español, Sor aceptó un puesto administrativo en el gobierno de ocupación, bajo la monarquía de José Bonaparte. Tras la expulsión de los franceses en 1813, Sor y muchos otros artistas y aristócratas que simpatizaron con los franceses abandonaron España por miedo a las represalias. Se fue a París, y nunca volvió a su país de origen. En París hizo amistad con muchos músicos entre ellos el también guitarrista español Dionisio Aguado, colaborando estrechamente e incluso conviviendo juntos durante un tiempo. Compuso un dueto para los dos (Op.41, Les Deux Amis, los dos amigos en el que una parte está marcada "Sor" y la otra "Aguado"). Comenzó a ganar renombre entre la comunidad artística parisiense por sus habilidades para la composición y por su capacidad para tocar la guitarra, e inició ocasionales viajes a través de Europa, obteniendo considerable fama y convirtiendo la guitarra en un instrumento de concierto. Estuvo en Inglaterra en 1815 donde fue reconocido como compositor de óperas y ballets. En 1823 viajó a Rusia donde escribió y presentó exitosamente el ballet Hércules y Onfalia con motivo de la coronación del zar Nicolás I. En 1827, debido en parte a su avanzada edad, se asentó y decidió vivir el resto de su vida en París. Durante este retiro compuso muchas de sus mejores obras, entre otras una didáctica: Método para guitarra, publicado en 1830 y traducido a varios idiomas. Su última obra fue una misa en honor de su hija, muerta en 1837. Esta muerte sumió al ya enfermo Sor en una seria depresión, y murió en 1839. Su estilo se caracteriza principalmente por una búsqueda de un lenguaje guitarristico más allá de su época, pero aun así sigue siendo considerado como un compositor totalmente clásico, aunque, generalmente muchos interpretes acostumbran hacer una interpretación con un enfoque "romántico". Algo que podríamos mencionar, es su frecuente uso de las tonalidades menores como preámbulo a sus piezas; un ejemplo claro es la introducción de las Variaciones sobre un tema de Mozart, la cual está en mi menor pero en el transcurso de esta, modula para así mostrar el tema en Mi mayor. Otro ejemplo de esta característica es el "Gran solo" en donde el ejemplo es el mismo solamente que en Re menor. Otra muestra de su estilo compositivo es el uso de "retardos armónicos" especialmente cuando se tienen disonancias como las séptimas. Cabe mencionar que Sor tenía un estilo muy diferente a otros guitarristas y compositores contemporáneos, sin embargo, debemos tomar en cuenta que también se puede encontrar en sus composicionesuna gran influencia de otros compositores como Haydn y Mozart.


Fernando Carulli
Ferdinando Carulli (Nápoles, Italia, 9 de febrero de 1770 - París, Francia, 17 de febrero de 1841), fue un compositor y guitarrista italiano, considerado como uno de los mejores profesores de la historia de la guitarra. Muchas de sus más de cuatrocientas piezas se utilizan como métodos de aprendizaje y perfeccionamiento de las técnicas para manejar este instrumento. Ferdinando Maria Meinrado Francesco Pascale Rosario Carulli nació en Nápoles en 1770, en el seno de una familia acomodada. Como muchos jóvenes de la época aprendió la teoría musical con un sacerdote músico aficionado, siendo su primer instrumento el violonchelo. Pero cuando a la edad de 20 años descubrió la guitarra, abandonó el violonchelo y se dedicó por entero a dicho instrumento. Por aquel entonces no existían auténticos profesores de guitarra en Nápoles, lo que le obligó a desarrollar su propio estilo y técnica. Con posterioridad él mismo publicaría su método, que ha permanecido hasta la actualidad como material didáctico de referencia para la guitarra. Sus conciertos en Nápoles le dieron la suficiente popularidad para empezar las giras por el resto de Europa. Sobre 1801 Carulli se casó con la francesa Marie-Josephine Boyer, con quien tuvo su hijo Gustavo. Luego se trasladó a Milán, donde publicó algunas de sus obras. Su enorme popularidad hizo que en 1808 se trasladara a París, donde permanecería el resto de sus días componiendo y ejerciendo el profesorado de guitarra. Falleció en esa ciudad el 17 de febrero de 1841. La primera mitad del siglo XIX experimentó un surgimiento del interés en la guitarra, fomentado por virtuosos que además de componer, desarrollaban "métodos" para los aspirantes. París, como centro para los aficonados a la guitarra atrajo luminarias tales como el madrileñoDionisio Aguado, el barcelonés Fernando Sor (quien también estuvo algún tiempo en Londres), el nacido en Francia Napoleón Coste, el florentino Matteo Carcassi y Carulli. quien se volvió el guitarrista más prominente de la ciudad -ocasionalmente rivalizando con Carcassi- hasta que en 1823 Sor arribó a la capital francesa. Su éxito se basó en que fue el primer guitarrista que creó escuela y que utilizó este instrumento para ejecuciones artísticas. Asimismo trabajó con el guitarrero francés Lacote en el perfeccionamiento de la sonoridad del instrumento. Entre sus muchos trabajos, el más famoso y que contiene muchas piezas de fácil ejecución es su método "Armonía Aplicada a la Guitarra" de 1825, una serie de piezas aplicadas a la enseñanza que todavía hoy son vigentes. Su pieza musical para guitarra titulada Los tres días (1830), describe los días de la revolución de París de 1830.

Mauro Giulliani

Mauro Giuliani (Bisceglie, 27 de julio de 1781 - Nápoles, 8 de mayo de 1829) fue un compository guitarrista italiano. Estudió violín, violonchelo y guitarra y con sólo 25 años se convirtió en una celebridad. En 1815 se desplazó a Viena, dónde junto a los pianistas Johann Nepomuk Hummel e Ignaz Moscheles, el violinista Joseph Mayseder y el violonchelista Joseph Merk, dio una serie de conciertos en los jardines del Palacio de Schönbrunn. Ese mismo año era el artista oficial de las celebraciones del congreso en Viena. Desarrolló una reputación de pedagogo, y entre sus numerosos alumnos se encontraban Jan Nepomucen Bobrowicz y Felix Horetzky. En 1819 volvió de nuevo a Italia, estableciéndose sucesivamente en Venecia, Roma y finalmente en Nápoles. En 1828 su salud comenzó a deteriorarse y murió en ésta ciudad en 1829. Giuliani compuso 150 obras para guitarra, destacando los conciertos para guitarra y orquesta, opus 30, 36 y 70; las Rossinianas, opus 119-124 y varias sonatas para violín y guitarra.

Francisco Tarrega

Francesc d'Assís Tàrrega Eixea (Villarreal, Castellón, 21 de noviembre de 1852 -Barcelona, 15 de diciembre de 1909) fue un compositor y guitarrista español. Un accidente marcó su infancia, cuando al parecer cayó a una acequia en un descuido de la muchacha que lo cuidaba, quedándole la vista dañada. Su padre, pensando que podría perder completamente la vista, se trasladó a Castellón para que asistiera a clases de música y pudiera ganarse la vida como músico. Entró en el Conservatorio de Madrid en 1874, donde estudió composición con Emilio Arrieta. A finales de 1870 enseñaba guitarra (Emilio Pujol y Miguel Llobet fueron alumnos suyos) y daba conciertos con regularidad. Virtuoso de su instrumento, lo conocían como el "Sarasate de la guitarra". En 1880 dio recitales en París y Londres. Durante el invierno de 1880, Tárrega sustituyó a su amigo y guitarrista Luis de Soria en un concierto en Novelda (Alicante), ciudad donde conoció a su futura esposa, María Rizo. En 1881 después de un concierto en Lyon, llegó a París donde conoció a los personajes más importantes de la época. Actuó en varios teatros, siendo invitado a tocar para la Reina de España, Isabel II. Tras tocar en Londres, volvió a Novelda para contraer matrimonio con su prometida María Rizo. En Valencia conoció a Conxa Martínez, rica viuda que lo toma bajo su protección artística, prestándole a él y su familia una casa en Barcelona. Allí es donde Tárrega compuso la mayoría de sus más famosas obras. De vuelta de un viaje a Granada escribió el trémolo "Recuerdos de la Alhambra", y estando en Argelia le llegó la inspiración para componer "Danza Mora". Allí conoció al compositor Saint-Saëns y más tarde, en Sevilla, escribió la mayoría de sus "Estudios", dedicando a su querido amigo y compositor Bretón la bella composición "Capricho Árabe". Se instaló en 1885 en Barcelona, y allí murió el 15 de diciembre de 1909. Aparte de sus obras originales para guitarra que incluyen Recuerdos de la Alhambra, Capricho árabe y Danza mora, arregló piezas de otros para este instrumento, tales como algunas de Beethoven, Chopin y Mendelssohn. Como otros de sus contemporáneos españoles, su amigo Isaac Albéniz, por ejemplo, Tárrega tuvo interés en combinar la tendencia romántica que prevalecía en música clásica con los elementos populares españoles. El conocido guitarrista contemporáneo Angelo Gilardino ha escrito que los 9 Preludios de Tárrega son "... el más profundo pensamiento musical de Tárrega de forma concentrada". Se considera que Tárrega ha creado los fundamentos de la técnica de la guitarra clásica del siglo XX y del interés creciente por la guitarra como instrumento de recital. La música más tocada y oída en el mundo es la conocida como "Melodía Nokia" (Nokia Tune) porque es el tono de llamada predeterminado de los teléfonos móviles de la marca Nokia pero está sacada de una pieza llamada Gran Vals (compases 14 al 16) del compositor e intérprete español Francisco Tárrega. Esta melodía se ha convertido en una de las más escuchadas en todo el mundo ya que más de 850 millones de teléfonos Nokia la reproducen a diario(Grandes Transcripciones para guitarra, F. Tárrega, Ed. Unión Musical Editores, S.L.) También es digno de mencionar que de sus obras se han realizado versiones por artistas como Mike Oldfield, que incluye su versión particular y orquestal de Recuerdos de la Alhambra en su banda sonora para la película Los gritos del silencio (The Killing Fields, 1984); se trata del tema "Étude". Para la película El amor en los tiempos del cólera, basada en la novela del escritor colombiano Gabriel García Márquez, se utilizó como tema central la canción "Hay amores" compuesta por la cantante Shakira. La instrumentación de esta canción está basada totalmente en elCapricho Árabe de Tárrega, pero la letra fue compuesta por la colombiana inspirándose en paisajes de su país.

Agustín Barrios "Mangoré"

Agustín Pío Barrios, también conocido como "Nitsuga Mangoré" (nacido el 5 de mayo de1885 en San Juan Bautista Misiones, en Paraguay - fallecido el 7 de agosto de 1944 en San Salvador, El Salvador), es un guitarrista clásico y compositor paraguayo de origen Guaraní. Nació en la ciudad de San Juan Bautista Misiones, en Paraguay fue miembro de una numerosa familia con gran interés en la música, prueba de ello es que sus siete hermanos tocaban un instrumento cada uno y formaban la Orquesta Barrios. Su padre fue el argentinoDoroteo Barrios, cónsul de su país en Misiones, y su madre Martina Ferreira, profesora (directora) de la escuela de niñas de Villa Florida. Hasta los 13 años Agustín integró la Orquesta Barrios y un día de 1898 luego de un concierto se acercó Gustavo Sosa Escalada y lo acogió como pupilo y fue introducido formalmente al repertorio de la guitarra clásica. Bajo la influencia de su nuevo guía, Barrios pasó a estudiar las obras más conocidas de los compositores más importantes de guitarra clásica hasta ese momento, como: Francisco Tárrega, José Viñas, Fernando Sor, Dionisio Aguado, Julián Arcas y Joaquín Parga. Sosa Escalada estaba tan impresionado con su nuevo alumno que convenció a los padres del joven Agustín para que lo dejasen mudarse a Asunción para continuar su educación musical y académica en el Colegio Nacional de la Capital, donde tuvo como Instructor a Nicolino Pellegrini, donde además de música, estudió matemáticas, periodismo y literatura. Luego de graduarse en el Colegio Nacional de la Capital, en Asunción, comenzó a presentarse en conciertos y a componer. Su primera presentación como solista fue en 1907 en un espectáculo organizado por Sosa Escalante. En 1908 ya era conocido en todo el Paraguay por sus presentaciones con su hermano, el poeta Francisco Martín Barrios. Agustín tocaba la guitarra y Francisco recitaba. En 1910 Barrios salió por primera vez del país para ofrecer un par de presentaciones en Corrientes (Argentina), y debido al gran éxito que tuvo, aquel regreso planeado para la semana siguiente de los conciertos se pospuso por 12 años. De Corrientes pasó a Buenos Aires y de allí viajó a Uruguay en 1912, Brasil en 1916, y a Chile. Pertenecen a este periodo obras notables como: La Catedral (1921), Estudios y Preludios, Madrigal, Allegro Sinfónico y Las Abejas (1921). La crítica internacional lo calificaba como uno de los más grandes concertistas del mundo y lo llamaban mago de la guitarra. En 1929 inició una gira por varias ciudades del Brasil, por lo que el carnaval del año siguiente lo encontró en Río de Janeiro donde conoció a Gloria quien sería su compañera hasta el final de su vida. Entre 1932 y 1934, Barrios dio presentaciones en Venezuela, Trinidad, Panamá, El Salvador, Colombia, Costa Rica, México, Guatemala y Honduras. A fines de 1932 decidió presentarse en Europa y Estados Unidos, pero recién se concretó lo primero en 1934 cuando Tomás Salomoni, embajador del Paraguay en México, realizó gestiones para su presentación en Bélgica, en el Conservatario Real de Bruselas, en septiembre de 1934. De Bruselas pasó a París, Berlín y Madrid. Tras últimas investigaciones realizadas por Lito Barrios, encontramos que Tomás Salomoni fue compañero de aula de Agustín Barrios, en el Colegio Nacional de la Capital, en todos los cursos realizados por Agustín. Esto concuerda con que Salomoni haya auspiciado a Mangoré su viaje, no sólo por ser Barrios un eximio artista, sino porque eran amigos de infancia. El 14 de agosto de 1932 se presentó, en Bahía, Brasil, como Nitsuga Mangoré, el Paganini de la guitarra de las selvas del Paraguay, donde la palabra Nitsuga corresponde a Agustín, escrito al revés; y Mangoré viene de un legendario jefe guaraní que peleó ante la conquista española; además del nombre, adoptó también la idea de presentarse en concierto con trajes tradicionales de Paraguay. Fue tanto el éxito obtenido con el personaje de "Mangore" que en varios países fue más conocido con el nombre del cacique que con el nombre propio. Además él mismo se encargó de divulgar la leyenda que fue educado en las reducciones jesuiticas, que desaparecieron antes de 1800. De esta etapa de su carrera corresponde el siguiente escrito: Tupá, el espíritu supremo y protector de mi raza, encontrome un día en un bosque florecido y me dijo: "Toma esta caja misteriosa y descubre sus secretos". Y encerrando en ella todas las avecillas canoras de la floresta y el alma resignada de los vegetales, la abandonó en mis manos. Tomela, obedeciendo el mandato de Tupá, poniéndola bien junto al corazón; abrazado a ella pasé muchas lunas al borde de una fuente. Y una noche, Jasy, retratada en el líquido cristal, sintiendo la tristeza de mi alma india, diome seis rayos de plata para con ellos descubrir sus arcanos secretos, y el milagro operó: desde el fondo de la caja misteriosa, brotó la sinfonía maravillosa de todas las voces vírgenes de la naturaleza de América. Mangoré. Barrios estaba interesado no sólo en la música, se acercó a la filosofía, poesía y teología. Además de castellano y guaraní, la lengua nativa de Paraguay, tenía cierto conocimiento en inglés, alemán y francés. Barrios fue muy reconocido por sus interpretaciones, en vivo y en grabaciones -fue el primer guitarrista clásico en grabar de forma comercial en discos de 78 rpm-. Su conocimiento de la teoría musical le permitió componer en varios estilos: barroco, clásico, romántico y descriptivo. Su música se caracteriza por ser de carácter folclórico, imitativo y religioso. Sus composiciones se basan en cantos y danzas de toda América Latina, entre otras: cueca, chôro, estilo, maxixa, milonga, pericón,tango, zamba, zapateado, polca paraguaya, etc. La mayor parte de sus obras se pueden considerar de carácter Romántico tardío, a pesar de haber vivido musicalmente en la primera mitad del siglo XX. Compuso preludios, estudios, valses, mazurcas, tarantelas y romanzas. Su creatividad le permitió componer más de 300 piezas para guitarra, las cuales son fuertemente impulsadas y defendidas por César Amaro,John Williams, David Russell, Laurindo Almeida, Abel Carlevaro, Jesús Benites, Alirio Díaz, entre otros, además de ser consideradas ampliamente de las más importantes en el repertorio de la guitarra clásica. Jesús Benites [1932-2007], guitarrista peruano que ha grabado varios álbumes de Barrios expresó: "Barrios tuvo que bañarse en la fuente del arte para componer como compuso, y asi fue; sus obras han prevalecido y prevalecerán para siempre." Barrios tenía un carácter excéntrico y ciclotímico. Pasaba por largos periodos depresivos en los que no componía ni tocaba la guitarra y por etapas en las que estaba tan eufórico que se encerraba a componer y practicar sin considerar el tiempo. Fue reconocido además como un buen atleta.

Andrés Segovia

Andrés Segovia Torres, I Marqués de Salobreña, (Linares, Jaén, 21 de febrero de 1893 -Madrid, 3 de junio de 1987) fue un guitarrista clásico español, considerado como el padre del movimiento moderno de la guitarra clásica. Muchos estudiosos creen que, sin los esfuerzos de Segovia, la guitarra seguiría estando considerada como un instrumento de campesinos, válida para los bares pero no para las salas de concierto. Conoció la guitarra desde niño, en la ciudad de Linares donde nació. Más tarde, criado en Granada en casa de unos tíos acomodados, aprendió la técnica del instrumento con un tocador de flamenco convertido en barbero. Ya en su adolescencia, cuando quiso encontrar un mejor maestro no lo logró, por lo que durante sus estudios de música en el Instituto de Música de Granada tuvo que continuar sus aprendizaje de este instrumento de forma autodidacta. Realizó su primera aparición pública en Granada a los catorce años y, con pocos más, ofreció en Madrid su primer concierto, en el que interpretó transcripciones para guitarra de Francisco Tárrega y algunas piezas de Johann Sebastian Bach que él mismo había transcrito. Para dicho concierto de 1913 en Madrid, que consideraba su verdadero debut, entendía que necesitaba una mejor guitarra. Sabiendo que los concertistas de piano en ocasiones alquilan el instrumento, acudió al establecimiento del constructor de guitarras Manuel Ramírez con la intención de proponerle al dueño que le rentara un instrumento por esa noche. Después de probarlo y ensayar durante media hora la música que había preparado para el recital, el asombrado Ramírez le rogó que aceptara la guitarra elegida como un regalo. Segovia continuó con sus estudios de guitarra durante toda su vida, aún a pesar de aquellos que trataron de disuadirlo por no confiar en el futuro de dicho instrumento para la música clásica, incluyendo a su propia familia. Fueron muchos los músicos que creyeron que la guitarra de Segovia no sería aceptada por la comunidad clásica ya que, según sus creencias, la guitarra no se podía considerar como un instrumento capaz de interpretar a los clásicos. Sin embargo, la técnica de Andrés Segovia asombró al público. A partir de entonces, la guitarra dejó de considerarse solamente un instrumento popular y se aceptó también como instrumento de concierto. A la vez que progresaba en su carrera y tocaba para audiencias mayores, Segovia descubrió que las guitarras existentes no producían el volumen suficiente como para tocar en grandes salas de conciertos. Esto le animó a buscar entre los avances tecnológicos para intentar mejorar la amplificación natural de la guitarra. Trabajando conjuntamente con los fabricantes, ayudó a diseñar lo que conocemos hoy en día como guitarra clásica, realizada con una madera de más calidad y con cuerda de nailon. La forma de la guitarra se modificó también para mejorar la acústica. Esta nueva guitarra era capaz de producir notas más bajas que las que hasta entonces se utilizaban en España y en otras partes del mundo. Realizó aportes a la técnica del instrumento, como mantener el pulgar de la mano izquierda bajo el mástil en lugar de doblarlo alrededor del mismo, ya que con ello se lograba extender el alcance de los otros cuatro dedos y se podía pisar cualquier cuerda sin sordear las inferiores a ella. Otro aporte significativo fue colocar la mano derecha en posición vertical a las cuerdas, con lo que se incrementaba la fuerza al tocarlas. Tras realizar una gira por América en 1928, autores como el brasileño Heitor Villa-Lobos empezaron a componer piezas especialmente para él; asimismo, el compositor mexicano Manuel M. Ponce realizó una copiosa producción de obras para la guitarra sola y orquesta dedicadas a éste insigne guitarrista. Segovia transcribió también múltiples piezas clásicas y resucitó algunas de las transcripciones de Tárrega. Desatada la cruenta Guerra Civil Española, Segovia decide abandonar junto a su familia el territorio convulsionado y radicarse en Montevideo(República Oriental del Uruguay), entre 1937 y 1946. Allí, conoce a un joven Abel Carlevaro y lo adopta como su discípulo. Entre los discípulos de Segovia se encuentra guitarristas como John Williams, Alirio Díaz, Ben Bolt o Christopher Parkening. En reconocimiento a su contribución a la música y las artes, Segovia fue ennoblecido el 24 de junio de 1981 por Su Majestad el Rey Juan Carlos I, quien le nombró como primer Marqués de Salobreña y obtuvo el Premio Nacional de Música de España. En 1982 fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz.1 Andrés Segovia murió en Madrid a causa de un ataque al corazón a la edad de 94 años. Segovia tuvo muchos discipulos a lo largo de su carrera, incluyendo a: Abel Carlevaro, primer discípulo a quien Segovia presentó publicamente el 12 de noviembre de 1942 en el estudio auditorio del SODRE, Montevideo, República Oriental del Uruguay. John Williams, Eliot Fisk, Narciso Yepes, José Franco, Octavio Bustos, Julian Bream, Oscar Ghiglia, Charlie Byrd, Christopher Parkening, Michael Lorimer, Alirio Díaz, Antonio Membrado, Nilda Urquiza, Charo.

Narciso Yepez

Narciso Yepes, (Lorca, Región de Murcia, 14 de noviembre de 1927 - †Murcia, 3 de mayo de 1997), fue un guitarrista clásico español, considerado como uno de los principales concertistas mundiales del siglo XX. Cuando cumplió los 13 años, comenzó a estudiar en el Conservatorio de Valencia con Vicente Asencio, famoso pianista de la época. En 1947, interpretó en público por vez primera el Concierto de Aranjuez (de Joaquín Rodrigo), bajo las órdenes del director Ataúlfo Argenta, lo cual le mereció celebridad inmediata. En 1952, según sus propia declaración, rescató y recompuso una canción tradicional para guitarra: Romance (anónimo), pieza musical incluida en la película Juegos prohibidos (Jeux Interdits, del director René Clément, 1952). En 1958 se casa con una joven polaca, estudiante de filosofía, llamada Marysia Szumlakowska[1], con la que tuvo tres hijos: Juan de la Cruz (muerto en un accidente a los 18 años), Ignacio Yepes (flautista y director de orquesta), y Ana Yepes (bailarina). En 1964, Yepes comienza a utilizar la guitarra de diez cuerdas, pues de ella obtenía mucho mejor resonancia y a la vez le facilitaba el tocar piezas de música barroca (originalmente escritas para laúd). Le incitó a la creación de esta nueva guitarra el desequilibrio sonoro debido a la falta de buena parte de los armónicos naturales en la guitarra de seis cuerdas. A partir de 1993, Narciso Yepes empezó a limitar sus apariciones públicas, debido a problemas de salud. Su último concierto fue en Santander, el 1 de marzo de 1996. Su gran trayectoria musical le hizo merecedor de multitud de premios y menciones. Murió en 1997 a causa de un cáncer linfático.

Leo Brouwer

Juan Leovigildo Brouwer mejor conocido como Leo Brouwer (1 de marzo de 1939) es un compositor, guitarrista y director de orquesta cubano. Brouwer nació en La Habana, donde comenzó a tocar la guitarra a la edad de 13 años atraído por el sonido flamenco y motivado por su padre, que era doctor y guitarrista aficionado. Su primer maestro real fue Isaac Nicola quien fue alumno de Emilio Pujol, y a su vez este fue alumno de Francisco Tárrega. Dio su primer recital a la edad de 17 años; aunque para este tiempo sus composiciones ya empezaron a llamar la atención. Preludio (1956) y Fuga (1959), ambas con influencia de Bartok y de Stravinsky, son muestra de su temprana comprensión de música no propia de la guitarra. Viaja a Estados Unidos para estudiar música en la universidad de Hartford y posteriormente en la Juilliard School, donde Stefan Wolpe le enseña composición. Temprano en su carrera, Brouwer compuso sus Estudios simples 1-20 para ampliar los requerimientos técnicos de la ejecución en la guitarra. Con estos estudios Brouwer produjo sin duda una obra mayor en el desarrollo de la técnica en la guitarra, haciéndolos no solo técnicamente demandantes sino también altamente musicales. Las primeras obras de Brouwer representan su contexto cubano y muestran la influencia de la música afrocubana y su estilo rítmico. Un buen ejemplo de este periodo es el Elogio de la Danza. Aunque es para guitarra sola, su segundo movimiento es un tributo a los Ballets Rusos (clara conexión con Stravinsky) siendo además este coreografiado. Le siguieron trabajos como su Sonograma 1 donde se refleja el uso de la incertidumbre, Canticum (1968), cuya primera parte representa el proceso por el cual un insecto adulto emerge del capullo e incidentalmente, incorpora un inusual cambio de afinación en la sexta cuerda a mi Bemol La espiral eterna (1971), Concierto para guitarra no. 1, Parábola (1973), y Tarantos (1974). Este periodo incorpora el uso del serialismo, el dodecafonismo y los modos seriales abiertos que en la época se consideraban avante garde y que en parte son inspiración de compositores que escuchaba con predilección como Luigi Nonoy Iannis Xenakis. Su último periodo es prácticamente en su totalidad minimalista, nunca yendo tan lejos como Steve Reich, pero una exploración de este estilo resulta evidente. Brouwer lo describe como el desarrollo de un sistema modular. El Decamerón Negro (1981) probablemente el primero en este estilo la Sonata (1990), Paisaje cubano con campanas (1996) y Hika (1996) en memoria del compositor japonés T?ru Takemitsu es la más reciente. Así como composiciones originales para guitarra, Brouwer es un ávido arreglista de otros compositores como Elite Syncopations y The Entertainer de Scott Joplin, o Fool on the Hill de The Beatles (Lennon/McCartney) entre muchas otras que ha arreglado para guitarra sola. Brouwer ha ocupado varios cargos oficiales en Cuba, incluyendo el de director del Instituto de Cine del Departamento de Música de Cuba. Entre sus obras encontramos gran cantidad de piezas para guitarra, varios conciertos y más de cuarenta obras musicales para cine. Leo Brouwer tiene una activa participación en la organización del Concurso y Festival Internacional de Guitarra de la Habana. Es además fundador del Grupo de Experimentación Sonora del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematrográfica ICAIC. En 2009 mereció el Premio Nacional de Cine 2009 por su fecunda vinculación con la cinematografía de la isla, que enriqueció con partituras memorables, y en 2010 se hizo acreedor del Premio Tomás Luis de Victoria. Un Día de Noviembre es una pequeña pieza que compone en 1968 con una clara influencia de la música romántica que caracterizaba a Tárrega.

Julian Bream
Julian Bream, nacido el 15 de julio de 1933, es un guitarrista británico y laudista. Nació en Londres y fue criado en un ambiente muy musical. Su padre tocaba jazz en la guitarra y el joven Julian quedó impresionado al oír la forma de tocar de Django Reinhardt. Fue alentado a tocar el piano y la guitarra (aunque usando un plectro). Cuando cumplió once años, su padre le regaló una guitarra clásica. Se convirtió en un prodigio infantil, al ganar a los 12 años un premio en una exhibición infantil por tocar el piano, dándole oportunidad de estudiar piano y cello en el Royal College of Music. Tuvo su debut en un recital de guitarra en Cheltenham en 1947 a los 13 años. En 1951 hizo su debut en el Wigmore Hall en Londres. Después de su reclutamiento en el servicio militar, regresó a su ajetreada carrera, tocando alrededor del mundo, incluyendo giras anuales por los EUA y Europa las cuales duraron varios años. Tomó parte de un recital en el Wigmore Hall con el laúd en 1952 y desde ese momento realizó un gran trabajo trayendo a la luz música escrita para ese instrumento. En 1960 se creó el Julian Bream Consort (Consorcio Julian Bream), un ensamble instrumental de época con Bream como laudista. Esta agrupación lideró un despertar del interés en la música de la época isabelina. En 1984 tuvo un grave accidente de automóvil, el cual lo lesionó gravemente. Tuvo que realizar un gran esfuerzo para recuperar su habilidad técnica. El repertorio de Bream es sumamente amplio, desde transcripciones del siglo XVII, pasando por un gran número piezas de Bach arregladas para guitarra, piezas populares españolas, hasta música contemporánea escrita expresamente para el instrumento, mucha de la cual fue escrita tomándolo como máxima inspiración. Varios compositores trabajaron con él, y entre los que le dedicaron piezas están: Malcolm Arnold, Benjamin Britten, Leo Brouwer, Peter Racine Fricker, Hans Werner Henze, Humphrey Searle, T?ru Takemitsu, Michael Tippett y William Walton. El Nocturnal de Britten es una de las obras más famosas e importantes en el repertorio de la guitarra clásica, y fue escrita inspirándose totalmente en Julian. Se trata de una inusual serie de variaciones sobre el tema Come Heavy Sleep de John Dowland (el cual se toca en su forma original casi al final de la pieza). Bream ha tenido parte en algunas colaboraciones exitosas, inluyendo su trabajo con Peter Pears en música Isabelina para laúd y voz, y dos discos de dúo de guitarra con John Williams.

John Williams
John Christopher Williams (nacido el 24 de abril de 1941) es un premio Grammy, ganador de Australia guitarrista clásico, ampliamente considerado como uno de los mejores guitarristas de su generación. Él es un residente de larga duración del Reino Unido. John Williams nació en Melbourne, Australia, de padre Inglés (Len Williams, fundador deEl Santuario mono en Cornwall, Inglaterra) y uno en Australia, China madre (una hija del conocido abogado Melbourne William Ah ket). Se le enseñó inicialmente por su padre, y estudió en la Escuela de Gramática Friern Barnet, Londres.[1] A la edad de doce años fue a España para estudiar con Andrés Segovia. Durante este tiempo también fue apadrinado por el compositor Ross Stewart[cita requerida]. Stewart se estudió con el legendario Sam Harrell. Harrell desarrollado muchas técnicas de guitarra único, los transmitía a Stewart, quien encargó además Williams. Durante varios años estudió con Williams Stewart hasta que más tarde asistió a la Royal College of Music en Londres, a estudiar piano porque la escuela no tenía un departamento de guitarra en el tiempo. Después de su graduación, se le ofreció la oportunidad de crear un departamento. Siendo un amante de este instrumento, que aprovechó la oportunidad y la pasó para los dos primeros años. Williams ha mantenido vínculos con el Colegio (y con el Norte Royal College of Music[cita requerida]en Manchester) desde entonces. Williams es el más conocido como guitarrista clásico, pero ha explorado muchos géneros musicales diferentes. Ha colaborado con Julian Bream y Paco Peña y fue miembro del grupo de fusión del cielo. También es compositor y arreglista. Williams ha encargado guitarra conciertos de compositores como Stephen Dodgson, André Previn, Patrick Gowers, Richard Harvey y Gray, Steve. También ha trabajado con los compositores de su país natal, Australia, incluyendo Phillip Houghton, Peter Sculthorpe, Edwards Rossy Nigel Westlake, a realizar obras de guitarra que captura el espíritu de su tierra natal. Grabó "Cavatina"de Stanley Myers. La obra había sido escrita originalmente para piano, pero a la invitación de Williams, fue re-escrito para guitarra y fue ampliado por Myers. Después de esta transformación, se utilizó para una película, El Bastón (1970). En 1973, Cleo Laineescribió y grabó canciones como la canción "Fue hermoso", acompañado por John Williams. La versión de la guitarra se convirtió en un éxito mundial solo cuando se utilizó como tema principal de la Oscarganador película The Deer Hunter (1978). Por invitación de los productores de Martin Lewis , creó un aclamado dúo de fusión de rock clásico con el célebre guitarrista Pete Townshend de The Who para el himno de Townshend Won't Get Fooled Again para el 1979 de Amnistía Internacional demuestran los beneficios de policía secreta Ball La. El dúo apareció en el álbum resultante y la versión cinematográfica de la serie - las adaptaciones de Williams a la atención de la audiencia más amplia de rock. La relación con Lewis llevó a Williams-clásica banda de rock fusión cielo está invitado a dar el primer concierto de rock que se celebrará enla abadía de Westminster - un concierto a beneficio de Amnistía Internacional de que Lewis produjo en febrero de 1981. [2] Williams es un patrón de la Campaña de Solidaridad con Palestina[2] Williams ha explicado que se utiliza la amplificación para los conciertos en grandes salas[3][4]. Williams y su tercera esposa Kathy residen en Londres y Australia. Él tiene una hija de Kate, ahora un pianista de jazz establecido, de su primer matrimonio (para Lindy), y un hijo, Charlie Williams, de su segundo matrimonio (a la emisora Sue Cook). John Williams fue fundamental en las obras de Agustín Barrios de nuevo a su popularidad. Williams ha hablado a menudo muy bien de la obra de Barrios, indicando incluso que él cree que Barrios es el más grande compositor de música para guitarra. John Williams es profesor invitado y miembro honorario de la Real Academia de la Música[5] en Londres. John Williams ha expresado su frustración y preocupación con la educación  la enseñanza de la guitarra[6], si es demasiado unilateral, por ejemplo, centrándose sólo en jugar en solitario, en lugar de dar a los estudiantes una mejor educación guitarra incluyendo jugar conjunto, la lectura de la vista y un enfoque el fraseo y la producción de tono o variación. Williams señala que "[los estudiantes] preocupado con digitaciones y no notas, suena mucho menos", y algunos son capaces de "jugar [...] trabajos en solitario difícil de" memoria, pero "tienen un sentido muy pobres del [grupo jugando] o el calendario ". Señala que los estudiantes interpretan obras del repertorio como solista, que suele ser demasiado difícil, por lo que los profesores suelen poner más "[...] énfasis en conseguir a través de las notas en lugar de jugar con el contenido real de cada nota". Para fomentar el fraseo, el tono y la producción ronda musical de todo, Williams se encarga de los estudiantes a jugar juntos en conjuntos, la elección de las obras del repertorio de música clásica ya existentes, como el "más fácil cuartetos de cuerda de Haydn".
Johnny Winter
Johnny Winter (Beaumont,Texas, 23 de febrero de 1944), guitarrista estadounidense de blues y de rock. Winter se convirtió en una superestrella del blues eléctrico a finales de los años sesenta y para el festival de Woodstock ya era una leyenda. Durante la última etapa de Muddy Waters produjo sus 3 últimos discos.Winter formó su primera banda a los 14 años con su hermano Edgar. Pasó su juventud grabando temas con proyección regional y tocando blues en los bares. Su descubrimiento a nivel nacional llegó a través de un artículo en la revista Rolling Stone en 1968, lo que le valió un contrato con un propietario de un club neoyorkino y una grabación con Columbia. Su disco de debut oficial, Johnny Winter, es de 1969. A pesar de que empezó con un trío, más tarde formó una banda con antiguos componentes de The McCoys, se llamó Johnny Winter And. Consiguió buenas ventas en 1971 con un directo y con su disco de 1973 Still Alive and Well. Sus discos se hicieron cada vez más orientados al blues a finales de los setenta y produjo también varios álbumes de Muddy Waters. En los ochenta, grabó tres discos para el sello de blues Alligator y ha grabado desde entonces con MCA y Pointblank/Virgin.

BB King
 
(Ben Riley King; Indianola, EE UU, 1925) Guitarrista estadounidense de blues. Blues Boy (B. B.). Inició su andadura en la música como disc-jockey en una importante emisora de radio de Memphis, donde se oiría por primera vez su propia música y popularizaría su nombre artístico. Esta importante promoción le permitió firmar por una discográfica independiente californiana, con la que trabajó durante diez años y para la que grabó tanto su primer disco (1949) como el que le lanzaría definitivamente a la fama, Three o’clock blues. Una de las máximas figuras del rhythm and blues, King creó escuela con su guitarra y en los años noventa, ya al final de su vida, muchos grupos consagrados seguían solicitando su colaboración: así, los Rolling Stones o U2. Dotado de una voz potente y de una personalísima técnica interpretativa, King fue el espejo donde se miraron los bluesmen más eminentes de las nuevas generaciones, como Albert King o Eric Clapton. 

Muddy Waters
McKinley MorganField (4 de abril de 1915 - 30 de abril de 1983), más conocido como Muddy Waters, fue un músico de blues estadounidense generalmente considerado el Padre del Blues de Chicago. Nacido en Rolling Fork, Misisipi. Fue grabado por primera vez en una plantación del delta del río Misisipi por Alan Lomax para la biblioteca del congreso en 1940. Más tarde se mudó a Chicago, Illinois, donde cambio de guitarra acústica a guitarra eléctrica, volviéndose cada vez más popular entre los músicos negros de la época. La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del "cuello de botella". Su primera grabación para Chess Records mostraba a Waters en guitarra y vocales, apoyado por un contrabajo. Más tarde añadió percusión y la armónica de Little Walter para completar su clásica formación de blues. Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Blues de Chicago. Hasta B.B. King lo recordaría como el "Jefe de Chicago". Todas sus bandas fueron un quién-es-quién de los grandes del Blues de Chicago: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Carey Bell en la armónica, Willie Dixon en el bajo, Otis Spann, Pinetop Perkins en el piano, Buddy Guy en la guitarra entre otros. Las grabaciones de Waters de finales de los 50 y principios de los 60 son particularmente buenas. Muchas de las canciones que tocó se convirtieron en clásicos: "I've Got My Mojo Working", "Hoochie Coochie Man", "She's Nineteen Years Old" y "Rolling and Tumbling" son todos grandes clásicos, muy frecuentemente objetos de covers por bandas de diferentes géneros. Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country. Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación. Sus tours en Inglaterra a principios de la década de 1960 marcaron, posiblemente, la primera vez una banda amplificada haciendo Hard-Rock se escuchó allí (Uno de los críticos presentes señaló se retiró al baño a escribir su crítica ya que la música estaba demasiado alta). Los Rolling Stones se nombraron de esa manera por la canción de Waters de 1950: "Rollin´ Stone", también conocida como "Catfish Blues". El gran hit de Led Zeppelin "Whole Lotta Love" esta basado en la canción de Muddy Waters "You Need Love" que fue escrita por Willie Dixon, que escribió algunas de las canciones más famosas: "I Just Want to Make Love to You," "I'm your Hoochie Coochie Man," y "I'm Ready." Otras canciones características de Muddy Waters son "Long Distance Call," "Mannish Boy," y el himno del rock/blues "I've Got My Mojo Working" (Compuesta originalmente por Preston Foster). Muddy Waters murió en Westmont, Illinois a los 68 años de edad, y fue enterrado en cementerio de Restvale, en Aslip, Illinois, cerca de Chicago. 

John Lee Hoocker
Nació en una granja cerca de Clarksdale (Mississippi) del matrimonio formado por William Hooker y Minnie Ramsey. Su padre era aparcero y pastor de la iglesia baptista. Tuvo seis hermanos y cuatro hermanas. Siendo niño, su familia se trasladó a otra granja en una plantación cercana, donde conoció a los bluesman Snooky Pryor y Jimmy Rogers. En 1928 sus padres se separaron y John fue el único hermano que quedó al cuidado de su madre. En 1931 decide emigrar hacia el norte industrial, al igual que hacían muchos otros negros del sur en aquella época. Pasa por distintos estados, y finalmente se instala en Detroit durante la II Guerra Mundial. Allí consigue un empleo en la industria del automóvil, cuyo sueldo consigue completar cantando en bares de suburbios. Carrera musical [editar]La carrera musical de Hooker empezó en 1948 cuando consiguió el éxito con el single "Boogie Chillum", cantado en un estilo medio hablado que se convertiría en característico. Rítmicamente, su música era muy libre, característica que ha sido común entre los primeros músicos acústicos de blues del Delta. Su fraseado no estaba tan atado a los estándares de la mayoría de los cantantes de blues. Este estilo informal e incoherente se fue diluyendo con la aparición de las bandas de blues eléctrico de Chicago pero, incluso cuando no tocaba solo, Hooker mantuvo su propio sonido. Mantuvo, sin embargo, una carrera en solitario, siendo siempre popular entre los aficionados al blues y los fans de la música folk de principios de los años 1960, saltando de este modo a la audiencia blanca. Otro éxito, de muchos en su carrera, llegó en 1989 cuando, junto a varias estrellas invitadas, incluyendo a Carlos Santana y su banda, Bonnie Raitt, Los Lobos, entre otros, grabó The Healer, que ganó un Premio Grammy. Hooker grabó más de 100 discos y vivió los últimos años de su vida en San Francisco, donde tenía un club llamado el "Boom Boom Room", por uno de sus éxitos.

Buddy Guy
George "Buddy" Guy (30 de julio, 1936) es un guitarrista y cantante de blues estadounidense. Es conocido por ser un innovador de la guitarra, dentro del Blues de Chicago y es una de las mayores influencias para muchos guitarristas, como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, por nombrar a algunos. Ganó cinco veces un Premio Grammy. Guy aprendió guitarra utilizando un diddley bow que el mismo construyó. A medida que iba aprendiendo a tocar, un familiar le regaló una guitarra acústica, que ahora forma parte de la exposición de la Rock and Roll Hall of Fame. A principios de la década de 1950, empezó tocando en bandas de la zona de Baton Rouge, Louisiana. En 1957 se mudó a Chicago a probar suerte. Muddy Waters lo vió tocar y lo tuvo como colaborador part-time. En 1958, en una competencia de jóvenes promesas organizada por los guitarristas del West-Side, Magic Sam y Otis Rush, Guy fue ganador del certámen, haciendose acreedor a un contrato de grabación. Buddy tiene la increíble capacidad de ir de un espectro a otro. Puede tocar con el silencio más silencioso que jamás hayas oido ¡y también puede tocar de la forma más ruidosa que jamás hayas oido!. Yo acostumbro tocar fuerte, la mayoría de las veces, pero los tonos de Buddy son sencillamente increíbles... ¡el puede ponerle tanta emoción usando tan poco volumen! 

Eric Clapton
(Ripley, Surrey, Inglaterra, 30 de marzo de 1945) es un guitarrista de rock y blues. Apodado "Slowhand" (Mano lenta), Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes en la era del rock. Su estilo musical sufrió múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado en el blues. Este músico es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera, practicando el blues rock con John Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirds, y una mezcla de rock, blues y jazz con Cream, además de haber ganado una reconocida carrera como solista. También ha tocado con Derek and the Dominos y Blind Faith y colaboró con The Beatles en la grabación del álbum blanco como solista en la canción "While My Guitar Gently Weeps". Su guitarra eléctrica favorita y más utilizada es Fender Stratocaster llamada Blackie que el mismo construyo de diferentes partes de stratocasters, y también tiene preferencia por Fender en otros tipos de guitarras. Salto a la fama [editar]En 1964 su nombre empezó a sonar como miembro de The Yardbirds, un grupo de rock and roll con influencias del blues. Ahí, Clapton rápidamente se convirtió en uno de los guitarristas más populares en la escena musical inglesa. Sin embargo, el músico seguía fuertemente comprometido con el blues, por lo que renegaba del nuevo rumbo pop de The Yardbirds, en parte porque "For your love" fue escrita por el autor pop Graham Gouldman, que había escrito hits para el grupo adolescente Herman's Hermits y el grupo pop The Hollies. Varias veces se negó a tocar esta canción y renunció al grupo tan pronto como el sencillo fue grabado. Después de varios meses de práctica, Clapton se unió a John Mayall & the Bluesbreakers. Su ejecución tuvo una gran influencia en el primer álbum de este grupo, además de inspirar una efímera ola de grafitis que lo deificaban con el eslogan "Clapton is God" (Clapton es Dios). En 1966 Clapton forma lo que es reconocido como el primer supergrupo de la historia del rock: Cream, con el bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker. Aunque sólo permanecieron juntos un par de años, su influencia fue enorme, con temas tan conocidos como Sunshine of your Love, White Room y el clásico Crossroads. Las presentaciones en vivo de Cream, con sus largas improvisaciones, sirvieron como modelo para muchos grupos tanto de hard rock como de rock progresivo en los 60's y 70's. Tras la separación de Cream, Clapton formó otro supergrupo, Blind Faith, nuevamente con Baker y con el músico Steve Winwood y el bajista de Family, Rick Greich, en el que sólo editó un disco antes de su separación, menos de un año después de su formación. Después de Blind Faith, Clapton se enfocó principalmente en su carrera solista, aunque se acabó integrando a otros proyectos fugaces como Delaney & Bonnie o Derek and the Dominos. Con este último produce uno de sus más grandes éxitos, Layla (dedicada a Patty Boyd, entonces esposa de su amigo George Harrison). Clapton se mantuvo prácticamente inactivo durante 1971 y 1972, debido a una seria adicción a la cocaína. Pete Townshend, guitarrista de The Who, le ayudó a superarla y a organizar un concierto de regreso en el Rainbow Theatre de Londres en 1973. En los siguientes años sendas versiones de Cocaine y After Midnight, originales de J.J. Cale, y otra versión de I Shot the Sheriff, de Bob Marley, le llevaron de nuevo al éxito. La carrera de Clapton pareció debilitarse en los años 80's, pese a una exitosa presentación en el concierto multitudinario Live Aid. La edición de Crossroads en 1988, uno de los primeros paquetes recopilatorios en el entonces nuevo formato compact disc, revitalizó su carrera. En 1991 la tragedia golpeó a Clapton al morir su hijo Conor, de cuatro años, al caer del piso 53 de su apartamento en Nueva York. En su memoria, Clapton escribe Tears in Heaven, canción que se convirtió en un éxito masivo y por la cual recibió seis premios Grammy. En ese mismo año, Clapton incentivó a su amigo George Harrison para salir juntos de gira por Japón, siendo el ex-Beatle la estrella principal y acompañado de Clapton y sus músicos. Las fabulosas presentaciones que dieron juntos no sólo ayudaron a afianzar su amistad, sino a reivindicar la fama de ambos y su calidad como músicos de talento.

Stevie Ray Vaughan
 
Steven "Stevie" Ray Vaughan (3 de octubre de 1954 - 27 de agosto de 1990) fue un guitarrista y cantante que fusionó los géneros del blues y el rock en los años 80. Desarrolló un sonido y estilo, basado en artistas como Albert King, Jimi Hendrix u Otis Rush, furioso, crudo y explosivo; que más adelante, fue imitado por innumerables guitarristas quienes lo citan como principal influencia. Stevie Ray Vaughan nació el 3 de octubre de 1954 en el Hospital Metodista de Dallas, Texas. A la edad de 7 tuvo su primera experiencia con una guitarra cuando le regalan una guitarra de juguete. En 1963 compró su primer disco, "Wham" de Lonnie Mack. Lo escuchó tantas veces que su padre lo termino rompiendo. Stevie continúa tocando de manera semi-amateur hasta 1969, donde entra a la escena del blues en Austin, Texas. En el verano de 1970 forma su primera banda a largo plazo, los Blackbirds, con Stevie y Kim Davis en las guitarras, Christian dePlicque en la voz, Roddy Colonna & John Huff en la percusión, Noel Deis en los teclados y David Frame en el bajo. A finales de 1971 deja la secundaria y se muda a Austin con su banda, estableciendo su base en un club llamado "Hills Country Club". El único hecho merecedor de ser destacado en los próximos años es que en 1974 Stevie obtiene su destruida Stratocaster, la "Number One" que no dejaría por el resto de su carrera. Hasta 1977 participó en bandas como "The Nightcrawlers", "Paul Ray & The Cobras" (con la que ganó el premio a la banda del año en marzo de 1977) y "Triple Threat Revue". Hacia septiembre de 1977 Stevie forma su banda definitiva, Double-Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble), Tommy Shannon (bajo) y Chris Layton (batería). Se movieron dentro del estado de Texas hasta el 19 de agosto de 1979, cuando tocaron en el San Francisco Blues Festival. El 11 de julio de 1981 la banda es filmada tocando en un festival. Al año siguiente el manager de Stevie le da la cinta a Mick Jagger, lo que eventualmente causó que la banda hiciera una función privada en una fiesta de los Rolling Stones en el New York's Danceteria el 22 de Abril de 1982. Poco después de eso la banda hizo la presentación más importante de su carrera cuando tocan en el Festival Internacional de Jazz de Montreux, Suiza, siendo la primera banda no programada de antemano en tocar en este recital. Fueron chiflados pero irónicamente ganaron un premio Grammy por la versión del tema "Texas Flood" en ese recital, que dio lugar a uno de los discos en vivo más increíbles de SRV: "Live At Montreux". Stevie Ray progresivamente alcanzó el estrellato alrededor de esta época, cuando en 1982 contribuye con un disco de David Bowie y en 1983 es "descubierto" por John Hammond (Responsable de descubrir a Bob Dylan, Billie Holiday y Bruce Springsteen entre otros) luego de escuchar la grabación del recital de Montreux, quien le ofrece un contrato para grabaciones en Epic Records. Solo en 1983 sale su primer álbum, Texas Flood, luego de años de trabajo. Las repercusiones no se hicieron esperar, y Ray Vaughan fue elegido por la revista Guitar Player "Mejor Nuevo Talento", "Mejor Álbum de Guitarra (Texas Flood)" y "Mejor Guitarrista de Electric Blues", ganando 3 premios en un año, siendo necesario destacar también que era un debutante en la industria. 

Robert Johnson
Robert Johnson es, sin duda, el más legendario de todos los artistas que, durante las primeras décadas de este siglo, contribuyen a definir el Blues, conformándolo como el estilo musical que ha llegado hasta nuestros días. Aunque su influencia directa en la primera generación del Rock and Roll es más bien difusa, su incidencia en la carrera de artistas correspondientes a décadas posteriores, de la talla de Eric Clapton, Ry Cooder, Jimi Hendrix o Muddy Waters, por citar tan sólo unos ejemplos, es clarísima. Se merece, pues, un lugar de honor entre los precursores del Rock and Roll. Se conoce muy poco de su vida. De hecho, en sus biografías son casi más abundantes las "leyendas" que los datos. Se dice, por ejemplo, que su asombroso talento musical le fue otorgado después de realizar, en un cruce de caminos, un pacto con el diablo: su alma, a cambio de la habilidad de tocar el Blues. Se sabe, sin embargo, que nació, en Memphis, en 1911. En 1927 ya ha abandonado la escuela, y trabaja en una plantación. Usa, entre otros, los nombres de Robert Sax y Robert Spencer hasta que, a los dieciséis años, su madre -una mujer de azaroso pasado- le confiesa el verdadero apellido de su padre: Johnson. Pronto aprende a tocar la guitarra y la armónica, y entra en contacto con algunas de las figuras más importantes del Blues de Memphis, como Willie Brown, Charlie Patton y, sobre todo, Son House, que se convierte en una de sus principales influencias. Su vida está llena de tragedias. Su primera mujer fallece durante el parto de su hijo. Atormentado por la necesidad de encontrar a su verdadero padre, invierte mucho tiempo y esfuerzo en el empeño (no se sabe si lo consiguió). De carácter amargado y violento, pronto se convierte en alcohólico y en un tipo violento. Se gana la vida tocando en pequeños locales, en compañía, muchas veces de Johnny Boy Williamson, Howlin Wolf y Johnny Shines, quien posteriormente comentaría sobre Johnson: "si veía pasar un tren, era incapaz de no subir a él. Agarraba su guitarra, y sencillamente se colaba en el primer vagón que pasaba". Ese carácter inquieto y aventurero, unido a su afición de usar nombres falsos, hace muy difícil trazar con exactitud su biografía. En 1936 graba el tema Kind Hearted Woman en el establecimiento de H.C. Speir, propietario de una pequeña tienda musical en Jackson (Mississippi) equipada con un modesto estudio de grabación, que era utilizado habitualmente por los bluesmen de la zona. Impresionado por su talento, Speir se pone en contacto con un ejecutivo de Columbia Records quien, tras escuchar la grabación, le paga a Johnson el viaje hasta San Antonio. Allí, durante un periodo de siete meses, entre 1936 y 1937, Johnson graba todas sus canciones. Se calcula que le pagaron unos 100 dólares por dos sesiones. Son el germen del blues actual. Piezas ya legendarias como There's a Hell Hound On My Trail, Preachin' Blues, Drunken Hearted Man o Me and The Devil Blues. Catorce meses después, en agosto de 1938, actúa por última vez en las afueras de Greenwood. Poco después cae enfermo. La leyenda dice que fue asesinado por un marido celoso, que le ofreció whisky envenenado, después de saber que le engañaba con su mujer. Ninguno de sus amigos podía pagar un médico, por lo que tuvieron que esperar, hasta ver cómo evolucionaban los acontecimientos. Tardó tres días en morir. Creo que fue Miles Davis quien en una ocasión dijo que todos los músicos de jazz deberían un día ponerse de rodillas y dar gracias a Duke Ellington. De igual manera, todos los aficionados al blues una noche de principios de verano estamos obligados a acudir a un cruce de caminos polvorientos, levantar nuestro vaso y beber un trago largo, de esos que queman las tripas, a la memoria de Robert Johnson, donde quiera que se encuentre. 

Django Reinhardt
Jean Baptiste "Django" Reinhardt (Liberchies, Bélgica, 23 de enero de 19101 - Fontainebleau,Francia, 16 de mayo de 1953) fue un guitarrista de jazz de origen gitano sinti. Se trata del primer músico de jazz originario de Europa que ejerció una influencia similar a la de los grandes artistas estadounidenses. Su música es el resultado de la fusión entre el swing y la tradición musical gitana del este europeo, lo que se conoce en inglés con el nombre de Gypsy jazz y en francés como Jazz manouche (Jazz gitano). Reinhardt revoluciona el toque de guitarra en el jazz justo antes de que se empezase a utilizar la amplificación. Sobre la base de un bajo, de dos guitarras rítmicas y del habitual violín de Stéphane Grappelli, Django desarrolla una música alegre y extraordinariamente flexible. Sus conceptos armónicos fueron sorprendentes en su época y así impresionó a músicos como Charlie Christiany Les Paul; además, su influencia sobre el swing fue decisiva para la decantación de una línea de este en la llamada música country. Aunque no sabía leer música, a solas y junto a Grappélli, Reinhardt compuso varias melodías sumamente originales y exitosas como "Daphne", "Nuages", "Manoir de Mes Rêves", "Minor Swing" y la oda a su compañía discográfica de los años treinta "Stomping at Decca". Jean Baptiste, apodado "Django", creció en un campamento gitano situado a las afueras de París, al lado de las fortificaciones que la rodeaban, a donde se había trasladado su tribu materna cuando tenía ocho años, absorbiendo la raíz gitana que luego se mostraría en su música. Django nunca llegó a utilizar juegos o a vivir en una casa verdadera hasta que cumplió los veinte años. Estos gitanos franceses oManouches eran un mundo en sí mismos, medievales en sus creencias y desconfiados de la ciencia moderna. Fue a una edad temprana cuando Django se sintió atraído por la música. Cuando tenía doce años consiguió su primer instrumento, un banjo que le regaló un vecino enterado de su interés prematuro por la música. Aprendió rápidamente a tocarlo, copiando la digitación de los músicos que podía observar. Asombró pronto a los adultos con su habilidad con la guitarra y, antes de los trece años, empezó su carrera musical con el popular acordeonista Guerino en un salón de baile en la Rue Monge. Tocaría también con otras bandas y músicos e hizo sus primeras grabaciones con el acordeonista Jean Vaissade para la Ideal Company. Dado que Django no sabía ni leer ni escribir en esa época, su nombre apareció como "Jiango Renard" en esas grabaciones. El 2 de noviembre de 1928, a la una de la madrugada, Django regresaba a su casa-caravana de una noche de música en el nuevo club La Java. La caravana había sido llenada con flores de celuloide por su mujer, que pretendía venderlas al día siguiente. Django creyó oír un ratón y utilizó una vela para poder verlo. Un poco de cera caída sobre las altamente inflamables flores bastó para provocar un infernal incendio. El músico se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. Tanto él como su mujer salvaron la vida, pero su mano izquierda y toda la parte derecha de su cuerpo de la rodilla a la cintura quedaron seriamente dañadas. En un principio los doctores querían amputar su pierna, pero Django se opuso. Los cuidados recibidos en una enfermería serían luego decisivos para salvarle la pierna. Django estuvo dieciocho meses postrado en la cama. Al final había quedado incapacitado del cuarto y quinto dedos de la mano izquierda (que habían quedado contraídos hacia la palma de la mano debido al calor recibido por los tendones). No obstante, gracias a su ingenio inventó un sistema de digitación para suplir su problema, sistema que influyó en cierta medida en la originalidad de su estilo. Podía usarlos en las primeras dos cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero su completa extensión era imposible. Con todo, fue capaz de convertirse en un gigante de la guitarra únicamente con el uso del dedo índice y del dedo medio.

West Mongomery
John Leslie Montgomery (Indianápolis, 6 de marzo de 1925 - Indianápolis, 15 de junio de 1968), conocido artísticamente como Wes Montgomery, fue un guitarrista estadounidense de jazz centrado estilísticamente en el hard bop y el funky, con aproximaciones al soul y alpop. Está considerado como uno de los sucesores más cualificados de Charlie Christian. Aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta hacia 1943 y ya en 1948 y durante dos años realizó una gira acompañando a Lionel Hampton. Tras esa etapa, regresó a su ciudad natal y se sumió en un semi-retiro, trabajando de día ajeno al mundo de la música y tocando por las noches en clubes. Entre 1957 y 1959 realizó algunas grabaciones con sus hermanos, el vibrafonista Buddy y el bajo eléctrico Monk, con los que había formado el cuarteto The Mastersounds, aunque el primer disco con Pacific Jazz lo firmarían, por problemas contractuales, como The Montgomery Brothers. En 1959, gracias a la influencia de Cannonball Adderley, realizó su primer disco para la compañía Riverside, formando parte de un trío en el que estaban el organista Melvin Rhyne y el batería Paul Parker. La realización de su disco de 1960 The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery lo llevó a la fama dentro del mundo del jazz, con su estilofunky, muy influenciado por la técnica fingerpicking de los bluesmen de Piedmont. Tocó luego con el John Coltrane Sextet (en el que estaba también Eric Dolphy). Estos discos realizados para Riverside, entre 1959 y 1963, son sus trabajos más espontáneos, formando parte de grupos pequeños y acompañado de músicos como Tommy Flanagan, James Clay, Victor Feldman, Hank Jones, Johnny Griffin, y Mel Rhyne. Al desaparecer Riverside, Montgomery fichó por Verve, 1964-1966, para quien grabó varios discos orquestales con el arreglista Don Sebeskyy el productor Creed Taylor, en los que realiza distintas aproximaciones al pop y soul. Trabajó con el Wynton Kelly Trio y el organista Jimmy Smith. En 1967 Wes firmó con Creed Taylor para A&M y en dos años grabó tres discos muy exitosos casi enteramente de pop. Repetinamente, murió por un ataque al corazón.

Jim Hall
Jim Hall, James Stanley Hall (Buffalo, 4 de diciembre de 1930), es un guitarrista estadounidensede jazz. Poseedor de un sonido sutil, imaginativo, muy expresivo y avanzado armónicamente, se trata de la máxima referencia actual de la guitarra en el jazz. Su colega Pat Metheny lo ha calificado como 'el mejor guitarrista vivo'. Otras grandes figuras de la guitarra jazzística como John Abercrombie,Bill Frisell o Jordi Bonell lo consideran su maestro. Creció en el medio oeste estadounidense. Su madre le compró una guitarra y tenía un tío que tocaba música country y cantaba, y que fue quien le animó a estudiar la guitarra y le hizo conocer a los grandes del jazz de su época: Charlie Christian, Art Tatum y Jimmy Lunceford. Cuando tenía trece años escuchó a Charlie Christian con el sexteto de Benny Goodman, en concreto el tema "Grand Slam", lo que le supuso una fuerte conmoción espiritual. Fue su primera influencia. A los dieciséis años se trasladó con su familia a Cleveland, Ohio, donde completó sus estudios formales en el Cleveland Institute of Music. Hall fue uno de los miembros del Chico Hamilton Quintet, donde dio sus primeros pasos profesionales en 1955 y 1956. Más tarde formó parte del legendario grupo de Jimmy Giuffre, cuyo sonido cool, instrospectivo y avanzado, caracterizaría más tarde al propio Hall. Con Giuffre aprendió la importancia de la escucha y la reacción, y además le ayudó a lograr que suguitarra sonara como un saxo. También tuvo con él la oportunidad de aprender sobre composición y arreglos. A finales de los años 50, su nombre se vio asociado a la corriente músico-cultural denominada Avant-Garde. En 1962, después de participar en la gira suramericana de Ella Fitzgerald, el saxofonista Sonny Rollins invitó a Hall a incorporarse a su agrupación. El resultado, The Bridge, está considerado como un clásico del jazz, en especial por la comunicación sutil y profunda del saxoy la guitarra. También estuvo cerca del saxofonista Ornette Coleman. El año siguiente, Hall, un artista que se haría famoso por sus colaboraciones, grabó Undercurrent, un disco en colaboración con Bill Evansque volvería a repetirse en Interpray y en Intermoludation. Más tarde grabó con otros pianistas como Michel Petrucciani, Enrico Pieranunzi y Red Mitchell. También tocó con Pat Metheny, con quien hizo un dúo en 1999, Bill Frisell o el brasileño Óscar Castro-Neves. Otro de sus dúos más reconocidos, que se prolongó durante varios discos, como Telephone y Alone Together, fue con el contrabajista Ron Carter. Jim Hall and Basses (2001), una serie de sesiones en estudio, lo encuentra midiéndose con los contrabajos de George Mraz, Dave Holland,Christian McBride, Charlie Haden y Scott Colley. Jim Hall grabó dos versiones del Concierto de Aranjuez. Una de ellas, Concierto (1975), considerada su obra maestra, contaba con la presencia de Chet Baker, Paul Desmond y Ron Carter, entre otros. En 1996, Hall lanzó Textures, un disco con una orquesta de cuerdas, fuertemente basado en la tradición de unir música clásica y jazz que se llamó Third Stream, y en el que el guitarrista revelaba su faceta como compositor.

Pat Martino
Pat Martino (Filadelfia, 25 de agosto de 1944), guitarrista estadounidense de jazz. Aparte de algunas incursiones en el jazz tradicional, su estilo oscila entre el hard bop y el soul jazz. Par Martino comenzó a tocar profesionalmente a los 15 años de edad. Trabajó pronto en grupos, como en los liderados por Willis Jackson, Red Holloway y por una serie de organistas como Don Patterson, Jimmy Smith, Jack McDuff, Richard "Groove" Holmes yJimmy McGriff. Tras tocar con John Handy (1966), empezó a liderar sus propios grupos en sesiones para Prestige, Muse y Warner Bros., demostrando interés en la vanguardiajazzística, el rock, el pop y las llamadas músicas del mundo, al incorporarlas a su estilohard bop. En 1980 se sometió a una operación cerebral para corregir una aneurisma que le provocó la pérdida de la memoria y cualquier habilidad para tocar. Empezó a tocar de nuevo escuchando sus propios discos en 1984 pero su regreso se produciría en 1987, con The Return. Aunque con una actividad menor que antes de la operación, Martino consiguió recuperar la forma, grabando otra vez para Muse y Evidence; por el momento, su última compañía discográfica es Blue Note.

Joe Pass
Joe Pass, Joseph Anthony Jacobi Passalaqua (New Brunswick, Nueva Jersey, 13 de enero de 1929 - Los Ángeles, 23 de mayo de 1994), fue un gran guitarrista de jazz estadounidense. Caracterizado por su uso del walking bass, del contrapunto melódico en medio del curso de una improvisación y de un estilo melódico de acordes, se trata de uno de los más alabados guitarristas del jazz, tanto por la crítica como por sus compañeros de profesión, a algunos de los cuales sirvió de eficiente acompañante en distintos trabajos. Este genial guitarrista se confesó siempre un ferviente admirador de Django Reinhardt e incluso en sus inicios formó un grupo a imagen y semejanza del Quinteto del Hot Club de Francia al tiempo que se interesaba por el bebop naciente. Sin embargo, no fue hasta principios de los sesenta cuando Joe Pass comenzó a convertirse en la popular figura que llegaría ser, especialmente de la mano del infatigable promotor Norman Granz, quien le transformó en una de las estrellas de la discográfica Pablo y le ofreció la posibilidad de medirse con artistas de la talla deBenny Carter, Milt Jackson o Ella Fitzgerald, con los cuales grabó algunas de sus mejores obras. Un buen ejemplo del saber hacer de este maravilloso guitarrista lo tenemos en la colección de discos editados por el mencionado sello discográfico con el nombre de "Virtuoso". Impecable en la ejecución -nítida y pulcra sin por ello caer en la frialdad- e ingenioso en su fraseo, Joe Pass ha sido uno de los más personales guitarristas de las últimas décadas, creándose un estilo propio al margen de las grandes corrientes coetáneas de ese instrumento y estableciéndose como un elegantísimo acompañante que en ningún caso renunció a su propio discurso. Falleció en Los Ángeles, California en 1994.

John Mclaughlin
John McLaughlin (4 de enero de 1942 en Doncaster), también conocido comoMahavishnu John McLaughlin, es un compositor inglés y guitarrista de jazz fusión. Consiguió gran fama con el grupo de Miles Davis a finales de la década de 1960, junto a otros interpretes como Chick Corea y Tony Williams, se trasladó a los Estados Unidos en 1969 para unirse al grupo de Tony Williams, Lifetime. Posteriormente tocó con Miles Davis en sus discos (álbumes eléctricos transcendentales de fusión de jazz) In A Silent Way, Bitches Brew, y A Tribute to Jack Johnson. En los 70 presenta la banda eléctricaMahavishnu Orchestra, esta se distinguió por su estilo, un estilo técnicamente virtuosísimo y complicado de música, John se distingue al tocar la guitarra, ya que ofrece versatilidad y un variado rango de estilos y géneros, como jazz, la música clásica india,jazz fusion, y la música clásica del oeste. McLaughlin ha influenciado a muchos guitarristas, también ha incorporado la música flamenca en bastantes grabaciones acústicas. A principios de los 80 se unió al guitarrista flamenco Paco de Lucía y Al Di Meolaformando el Guitar Trio. El trio se reunió nuevamente en 1996 para una segunda sesión de grabación y una gira mundial. El maestro hindú de la Tabla Zakir Hussain dice que McLaughlin es "uno de los músicos más grandes y más importantes de nuestros tiempos". En 2003, McLaughlin estuvo en el lugar 49, según la revista Rolling Stone, en la lista 100 Greatest Guitarists of All Time Proveniente de una familia de músicos (su madre era concertista de violín). McLaughlin de niño estudió violín y piano, pero se interesó más en la guitarra a partir de los once años de edad, explorando estilos como de flamenco y para el jazz de Stéphane Grappelli. McLaughlin se trasladó a Yorkshire (Londres) para involucrarse a en la escena próspera de música de los inicios de los 60, comenzando con The Marzipan Twisters, después estuvo conGeorgie Fame's backing band, en la banda de Brian Auger, y por fin con Graham Bond Quartet en 1963.1Durante toda esta época, a menudo tuvo que soportar largas sesiones de trabajo, con lo que no estaba muy conforme, pero consiguió mejorar su modo de tocar y sus habilidades de ejecución.2 Antes de trasladarse a USA, McLaughlin realizó el album Extrapolation con Tony Oxley y John Surman en 1969, en el cual demostró ser un virtuoso en su técnica, su gran inventiva y su singular habilidad para tocar y superar cualquier dificultad que presentara el instrumento. Ya en Estados Unidos en 1969 se unió al grupo deTony Williams Lifetime. También tocó junto con Miles Davis en sus álbumes In A Silent Way, Bitches Brew,On The Corner, Big Fun, donde McLaughlin fue presentado como solista en Go Ahead John y en A Tribute to Jack Johnson. Su reputación primero fue de músico de sesión, como resultado de esto colaboró en grabaciones, aunque de secundario con Miroslav Vitous, Larry Coryell, Joe Farrell, Wayne Shorter, Carla Bley, The Rolling Stones,Carlos Santana entre otros.

Al DI Meola
Al DiMeola (Jersey City, 22 de julio de 1954), guitarrista estadounidense de jazz. Di Meola, de orígenes italo-americanas (verdadero nombre Al Laurence Dimeola), es uno de los grandes representantes de la fusión jazzística, en su caso tanto con el rock como con las llamadas músicas del mundo, fruto de su interés por otras tradiciones musicales extrañas al ámbito occidental. Es considerado un virtuoso tanto con la guitarra eléctrica como con la acústica. DiMeola estudió durante un breve periodo de tiempo en la Berklee School of Music en Boston a comienzos de los años setenta, antes de reemplazar en 1974 al guitarrista Bill Connors en el grupo de fusión Return to Forever (un grupo que incluía instrumentalistas como el teclista Chick Corea y el bajista Stanley Clarke). Con su presencia, el grupo obtuvo un gran éxito comercial, con discos como Where Have I Known Before, de 1974; No Mystery, de 1975, y Romantic Warrior de 1976, que llevó a que DiMeola iniciase carrera en solitario. Su carrera está repleta de brillantes ejemplos de discos de jazz fusión basados en la guitarra: 1976: Land of the Midnight Sun, 1977: Elegant Gypsy y Casino, 1979: Splendido Hotel. Obtuvo gran repercusión musical el trío que formó con otros dos guitarristas, John McLaughlin y Paco de Lucía, para grabar en 1980 Friday Night in San Francisco. A lo largo de los años 80 y 90, Di Meola aumentó su prestigio, tocando con artistas como Paul Simon, Jean Luc Ponty, Stanley Jordan, Chick Corea, Stanley Clarke, Paco de Lucía, y John McLaughlin. Durante los años 90, Di Meola se concentró en la guitarra acústica para abordar las llamadas músicas del mundo (World Music).

Pat Metheny
Pat Metheny(léase Pat Mezíni) es un guitarrista estadounidense de jazz, reconocido como uno de los más grandes músicos de este genero. Ha ganado innumerables premios y reconocimientos, entre ellos 17 Grammy. Patrick Bruce Metheny nació en Lee's Summit, Missouri (Estados Unidos) el 12 de agosto de 1954 en una familia de músicos. Empezó tocar la trompeta a los 8 años por influencia de su hermano Mike Metheny, pero se cambió a la guitarra a los 12. A los 15 estaba trabajando con los mejores músicos de jazz en Kansas City, y adquiriría así valiosa experiencia en los escenarios a una muy temprana edad. Recibió una beca para estudiar música en la University of Miami, y posteriormente en Boston, donde llegó a ser profesor de la Berklee College of Music (una de las escuelas de música con más prestigio de todo el mundo), dando clases a alumnos como Mike Stern o Al DiMeola. Allí conoce a Gary Burton que lo incorporó a su banda durante 3 años, mostrando ya su forma de tocar moderna, pero conectando con el jazz más tradicional, swing, y blues. A lo largo de su carrera, Pat Metheny ha seguido redefiniendo el género usando nuevas tecnologías y trabajando constantemente para evolucionar el potencial de su instrumento. En 1975, sacó su primer album instrumental, Bright Size Life con el genial Jaco Pastorius, (nombre original John Francis Patorius) al freetless bass fender (bajo sin trastes), reinventando el tradicional sonido de guitarra de jazz. Un año más tarde conoce a Lyle Mays con el que tras grabar un disco, decide montar un grupo: El Pat Metheny Group. Además de ser un dotado músico, Metheny ha participado también en el ámbito académico como profesor de música. A los 18 años, fue el profesor más joven de la historia en la Universidad de Miami. A los 19, se convirtió en el profesor más joven de la historia en el la Berklee College of Music, donde también recibiría un doctorado honoris causa veinte años después. También ha enseñado en academias de música de todo el mundo, desde el Real Conservatorio de los Países Bajos al Instituto de Jazz Thelonious Monk, y en escuelas de Asia y de América del Sur. Pat Metheny ha sido un verdadero pionero en el ámbito de la música electrónica, y fue uno de los primeros músicos de jazz en usar el sintetizador como un instrumento musical. Años antes de la invención de la tecnología MIDI, Metheny usaba la Synclavier como herramienta de composición. También ha participado en el desarrollo de varios nuevos tipos de guitarras, como la guitarra acústica soprano, la "Pikasso" de 42 cuerdas, su guitarra de jazz Ibanez PM-100, y una variedad de instrumentos personalizados. A lo largo de su trayectoria ha ganado innumerables premios y reconocimientos, como encuestas como "Mejor guitarrista de Jazz" y premios como tres discos de platino por "Still Life (Talking)", "Letter from Home" y "Secret Story". También ha ganado 17 Grammy repartidos en diferentes categorías, incluyendo mejor álbum de rock instrumental, mejor disco de jazz contemporáneo, mejor solo de jazz instrumental y mejor composición instrumental. Con el Pat Metheny Group ganó siete consecutivos. Metheny ha pasado la mayor parte de su vida de gira, con una media de 120 a 240 conciertos al año desde 1974. En el momento de escribir esto, continúa siendo una de las estrellas más brillantes del jazz y de la música en general del mundo, dedicando su tiempo a sus dos proyectos propios y con colaboraciones con otros grandes músicos.


Sabicas
Agustín Castellón Campos (18 de marzo de 1912, Pamplona, España - Nueva York, EE.UU., 14 de abril de 1990), conocido como Sabicas, fue un guitarrista español, considerado maestro de la guitarra e impulsor de la internacionalización del flamenco. Fruto de esta internacionalización surgió la fusión del flamenco con otras corrientes musicales. Esencialmente autodidacta,5 comenzó a tocar la a la edad de cinco años, cuando sus padres le compraron una guitarra por 17 pesetas. Él mismo aprendió a afinarla y a tocar las primeras notas.2 En su estilo inicial, sin embargo, reconoce la influencia de dos guitarristas. De su tío Ramón Montoya aprehendió la vertiente clásica: el manejo de la mano izquierda y con ello los primeros acordes, los arpegios y los trémolos. De Manuel Gómez Vélez, Manolo el de Huelva o Niño de Huelva, la vertiente gitana: el manejo del pulgar y con él los primeros ritmos y melodías. Con siete años actúa en público por primera vez en el teatro Gayarre, y con diez se traslada a Madrid. Descubierto por Manuel Bonet, debuta en el teatro El Dorado (hoy Teatro Muñoz Seca) acompañando a La Chelito.3 De inmediato causa gran sensación en la capital y es descripto como un «fenómeno» Su primer álbum en solitario, Flamenco Puro (1961), se convirtió en un hito en la historia de la guitarra flamenca. Pero Rey del Flamenco, seis años más tarde, se sitúa a un nivel aún superior. Cabe resaltar también los primeros pasos dados por el flamenco junto con otras corrientes musicales. Así, abrió la puerta de la fusión del flamenco con el rock en la grabación de "Rock encounter" junto a Joe Beck en 1966. Lo que en un principio fue un mero experimento, que ni siquiera fue muy valorado por él, terminó convirtiéndose en un primer paso en la vereda que engrandecieron más adelante las bandas del llamado rock andaluz. Puede entonces decirse que antes de Sabicas había cosas imposibles de hacer con una guitarra. Después de él, ya no. Por ello es que en el mundillo, tanto entre los guitarristas de otros géneros como entre las firmas fonográficas, siempre se le trató bajo el adjetivo de virtuoso. No podría ser de otro modo, puesto que este hombre llevó a la guitarra flamenca -considerada hasta la década del '50 como un instrumento solamente destinado al acompañamiento del cante- a una dimensión inimaginable antes de la tremenda irrupción de este auténtico fenómeno musical. Por otro lado, Sabicas rompió con el cliché de que solamente los andaluces podían tocar la guitarra perteneciente a este género, logrando creaciones de un sentido estético superior, así como de mayor aroma e intensidad flamencos que las piezas compuestas por la gran mayoría de sus contemporáneos nacidos en el sur de la península.

Niño Ricardo
Manuel Serrapí Sánchez (Sevilla, 11 de julio de 1904-1972), fue un guitarrista flamenco español, conocido artísticamente como el Niño Ricardo, maestro de la guitarra española.Nació el 11 de julio de 1904, en la calle Almudena de la Plaza de Argüelles de Sevilla (hoy Plaza del Cristo de Burgos), en España, en uno de los típicos corrales de vecinos propios de aquella época, donde hoy podemos visitar y contemplar en la fachada del hotel dedicado al Niño Ricardo una placa conmemorativa.Ricardo Serrapí Torres, guitarrista y padre del Niño Ricardo y Antonio Moreno, amigo del padre, fueron quienes le enseñaron e introdujeron en el mundo del flamenco cuando él solo tenía 13 años, aunque al igual que Ricardo, no quería que se dedicase profesionalmente.Javier Molina, guitarrista nacido en Jerez, fue quien le dio la primera oportunidad al Niño Ricardo, a sus 14 años, actuando en un tablao flamenco, donde conoció a cantantes que más tarde acompañaría, tanto fuera como dentro de España y sin parar durante el resto de su vida. A la edad de 20 años ya comenzó a grabar sus propios discos de pizarra.Elaboró un estilo totalmente nuevo que revolucionó la guitarra y dejando huella, creando escuela El Ricardismo. Más que técnica, que la dominaba perfectamente, el buscaba la modernidad, saliéndose de los cánones y llegando más lejos en las composiciones. Pensaba en músico y no solo como guitarrista. Los dedos ya no estarán supeditados a la lógica mecánica de las digitaciones, sino a la idea musical de la falseta. Quizás porque este planteamiento introducía un nuevo desafío a la técnica de guitarra flamenca de la época,Fue maestro de muchos guitarristas de la época como Paco de Lucía, Enrique de Melchor, Serranito y el propio Paco de Lucía ha manifestado en más de una ocasión que el Niño Ricardo “fue el maestro de los guitarristas de nuestra generación. Representaba el no va más de la guitarra flamenca, el Papa. Aprendimos mucho de él y tratábamos de copiarlo”.Grabó con los mejores cantaores de la época, como la Niña de los Peines, Pastora, Tomás, Pepe Pinto, Gloria, Vallejo, El Carbonerillo, Mazaco, Antonio Chacón, Manuel Mairena (uno de los más logrados), Fernanda y Bernarda, Caracol y Talega, aunque él estimaba a Manuel Torre como su favorito. Estuvo de giras con ellos durante los años 1940, incluso en el concierto de México junto a Sabicas en 1949.En 1945 sufrió una intervención quirúrgica en la garganta que le dejó con una voz profunda y bronca, aunque esto no le impidió para seguir con su carrera y se reconoce fácilmente en las grabaciones en las que se le oye tararear con su toque.Creó mucho para grandes cantaores de copla como Juanito Valderrama, para el que compuso su mayor éxito, "El emigrante" o "El rey de la carretera" entre otros. O para Antonio Molina, que compuso y escribió "La madrugá".

Carlos montoya
Carlos García Montoya fue un guitarrista de flamenco nacido en Madrid en 1903 y fallecido en 1993.Durante los años 1920 recorre Europa, Asia y los Estados Unidos, consiguiendo gran fama en Nueva York.El talento de la familia Montoya era prominente en todos los miembros. El tío de Carlos era tan famoso en España cuando Carlos era joven. Así Emilia Montoya (su apodo de teatro era “La Tula”) le pidió a su hermano que le enseñara a Carlos también. Aunque él era el tío de Carlos no podía ayudar la familia de su hermanita, porque Ramón estaba demasiado concentrado en la educación musical de su propio hijo. Esta situación era una lástima, sin embargo Carlos recibió todo el entrenamiento que necesitaba por irse con su tío y madre en las giras musicales donde les conoció a los mejores guitarristas y cantantes en el campo de Flamenco de su época.Cuando Carlos tenía catorce anos, empezó a tocar el flamenco profesionalmente para los cantantes y bailarines en los cafés de Madrid. Lo prodigioso sobre esta hazaña era que él nunca había aprendido ni cómo leer las hojas de música, ni tener una educación formal de música.Aunque Carlos vivía en el mundo del arte pasiva, tuvo que confrontar las realidades del mundo verdadero. Desde los anos 1924 hasta 1927, Carlos sirvió en el ejército español, el cual le puso a Carlos en Marruecos. La experimentación de Marruecos no fue un placer para Montoya, y las revoluciones y la inestabilidad política a las cuales él tuvo que atestiguar influyeron su música profundamente. Después de la guerra, Carlos volvió a Madrid donde le conoció a la mujer Antonia Mercé (o por su apodo “La Argentina.”) Ella había escuchado la música de Carlos, y le pidió si quisiera entrar en su grupo. El tocó en su grupo por tres anos, pero entonces decidió matricularse con la banda “La Teresina.” Esta banda viajó por todas las partes de los Estados Unidos, y las partes del Este muy lejos. Carlos estaba tan popular en el Este, especialmente Tokio, donde muchas universidades le habían pedido enseñar clases a sus estudiantes.

Manolo Sanlucar
Manuel Muñoz Alcón ("Manolo Sanlúcar") nació en Sanlúcar de Barrameda (Cádiz) el 24 de noviembre de 1943. Creció en un ambiente flamenco, ya que su padre fue un gran aficionado a la guitarra, hasta el punto de que buscó como maestro a uno de los guitarristas más importantes de aquella época, como lo fué Javier Molina. "Afortunadamente, esa fue la decisión que marcaría su vida y la de sus hijos", dice el propio Manolo Sanlúcar en sus memorias.Las enseñanzas recibidas por Isidro Muñoz, padre de Manolo, le habían obligado a desplazarse en bicicleta cada día de clase desde Sanlúcar a Jerez de la Frontera, ciudad donde residía el maestro Javier Molina.El joven Manolo Muñoz recibió de su padre toda la sabiduría guitarrística que éste habia asimilado durante las clases recibidas en Jerez. Mirando hacia atrás en el tiempo el actual Manolo Sanlúcar considera las clases con su padre "un tipo de enseñanza seria y rigurosa que aún hoy me sirve como ejemplo a seguir". Y fue un ejemplo que fructificó espléndidamente en el joven "Sanlúcar", ya que desde muy pequeño mostró hallarse extraordinariamente dotado para seguir la senda marcada por el padre.Los hermanos de Manolo siguieron la misma vocación, destacando entre ellos Isidro, que llegó a converirse con el tiempo en un apreciado intérprete y compositor. El propio padre fue adquiriendo experiencia de la vida flamenca actuando en fiestas privadas y en espectáculos modestos que se organizaban en la comarca de Sanlúcar.A los ocho años Manolo Nuñoz ganó un premio junto a un joven cantaor de Sanlúcar y desde ese momento puede decirse que no dejó de intervenir con su guitarra en actos musicales,como fueron las fiestas privadas, festejos depueblos de los alrededores de Sanlúcar e incluso en programas de radio. Estas actuaciones permitieron que su nombre llegara a oidos de Pepe Pinto.El gran maestro sevillano se interesó por conocer personalmente al joven guitarrista. Y a Sevilla se dirigió Manolo Muñoz acompañado por un modesto cantaor, "El Guija", para ser escuchado por Pepe Pinto y Pastora Pavón. Terminada la prueba el Pinto le propuso a Manolo que, si quería, podia pertenecer al elenco de su compañía.Dado que la compañía estaba de descanso, debido a que acababan de finalizar una tourné, le facilitó que formara parte del espectáculo de Pepe Marchena, que se preparaba para iniciar una gira.En la compañía de Pepe Marchena, sin haber cumplido los catorce años y con un sueldo de cincuenta pesetas, dio comienzo la actividad artística de Manolo Muñoz. En ese tiempo al joven guitarrista le llamaban "Manolito el de Sanlúcar", denominación que más tarde se transformaría en su definitivo nombre artístico.Su debut lo realizó en un modesto teatro del pueblo malagueño de Campillos y en la compañía de Marchena figuraban también los cantaores Manolo el Malagueño, Luis Rueda y un grupo de artistas noveles. Cerraban el cartel Manolo Cómitre y Manolo Muñoz, que en esa fecha aún no habia adoptado el nombre de su pueblo. Permaneció varios años en la compañia de Pepe Marchena, pasando después a la Manolo el Malagueño.Ya en 2007 edita su autobiografia ("El Alma Compartida") donde a lo largo de medio millar de páginas, el músico gaditano hace “memoria de la niñez, sus amigos, sus familiares, sus aficiones taurinas y su aprendizaje de la guitarra, la memoria del joven precozmente inserto en las cohortes nómadas de las compañías y los teatros, el acompañante de los más grandes artistas flamencos de la segunda mitad del siglo XX y desde ahí hasta su inmersión en el mundo profundo de la música y el arte, su proyección internacional y su insobornable defensa de la autenticidad en la vida y en la profesión."

Paco de Lucia
Francisco Sánchez Gomes, de nombre artístico Paco de Lucía, (Algeciras (Cádiz), 21 de diciembre de 1947), es un guitarrista flamenco español. Su segundo apellido "Gomes" es debido a su madre, Lucía Gomes, natural de Castro Marim (Portugal); de ahí el nombre de su disco Castro Marín (Universal, 1987). Está considerado uno de los mejores maestros de la guitarra de todos los tiempos. Ha recibido, entre otros muchos galardones, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1992), la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004).1 Es Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz2 y por el Berklee College of Music de la Universidad de Boston, distinción concedida en mayo de 2010. Aunque casi toda su obra se desarrolla en el flamenco, ha grabado algunos trabajos en otros estilos, como la música clásica, la fusión de flamenco con el jazz y otros estilos musicales. Paco de Lucía ha recibido principalmente la influencia de dos escuelas: la del Niño Ricardo, considerado como una de las figuras más destacadas de la guitarra flamenca y el precursor más directo de Paco de Lucía, y la de Sabicas, a quien se considera como el máximo influyente en el desarrollo y perfeccionamiento de la guitarra flamenca como instrumento de concierto (antes, la guitarra era un instrumento de acompañamiento al cantaor).La contribución de Sabicas en el flamenco es doble: Por un lado, amplía la técnica de la guitarra flamenca (inventó, por ejemplo, la alzapúa en una cuerda y el rasgueo de tres dedos), y por otro destaca como un compositor de categoría, ya que sus obras se caracterizan no por unir falsetas —frases líricas que toca el guitarrista cuando el cantaor deja de cantar—, sino por crear una estructura melódica, rítmica y armónica perfectamente coherente de principio a fin, como en cualquier obra clásica, cosa que en el flamenco nunca se había hecho a excepción de algunas figuras coetáneas (Esteban de Sanlúcar, por ejemplo, en magníficas creaciones como "Mantilla de feria" o "Panaderos flamencos"). Pocas cosas cabe objetar al toque de Sabicas, que gozaba de una extraordinaria técnica con una amplia sonoridad —muchas veces tocaba en los escenarios sin micrófono— debida a su fuerte pulsación y a la enorme calidad de sus composiciones.La mejor contribución de Paco de Lucía al flamenco es la de haber conseguido popularizarlo e internacionalizarlo, aunque ello haya supuesto muchas veces una merma de la pureza en el toque. Está considerado como un espléndido intérprete por su virtuosismo y su personalísimo estilo, que se puede definir como vigoroso y rítmico. Este estilo se manifiesta en la calidad de numerosas obras del artista. Entre ellas, "Entre dos aguas" (rumba), "La Barrosa" (alegrías), "Barrio la Viña", "Homenaje al Niño Ricardo" (soleá), "Almoraima" (bulerías), "Guajiras de Lucía" y "Río Ancho" (rumba).Es meritorio además el esfuerzo que ha realizado este artista por dar a conocer el flamenco al público de fuera de España y el haberse atrevido a "darle otro aire" mezclándolo con otros estilos, que, aunque de estructuras melódicas y rítmicas diferentes, pueden congeniar bien con él. Paco de Lucía ha abierto el camino para este tipo de experimentaciones y fusiones del flamenco con diversas músicas, lo cual es sin duda encomiable.A todo esto, no hay que olvidar que su padre Antonio recibió clases de guitarra de la mano del primo hermano de Melchor de Marchena: Manuel Fernández "Titi de Marchena", un guitarrista que llegó a Algeciras en la década de los años 20, creó afición y escuela, y tal vez influyera en los principios de Paco. Otro aporte de Paco de Lucía al arte Flamenco contemporáneo ha sido la inclusión del cajón. Este instrumento de la música afroperuana es conocido por Paco de Lucía en Perú a fines de los años 70, de manos de Carlos "Caitro" Soto de la Colina, cajonero y compositor peruano. Paco de Lucía intuye y entiende, al conocer este instrumento peruano, que puede ser una solución a la permanente necesidad de percusión que requiere el flamenco, y lo añade, en complicidad con Rubem Dantas, a los elementos percusivos utilizados en su sexteto de entonces, convirtiéndose el cajón desde ese momento y con el paso del tiempo en un instrumento imprescindible del arte flamenco contemporáneo y,luego, de otras corrientes musicales internacionales.

Vicente Amigo
Vicente Amigo (1967) guitarrista flamenco nacido en Guadalcanal (Sevilla, España) y criado en Córdoba. Empezó en el flamenco trabajando con artistas como Juan Muñoz (El Tomate), Merengue de Córdoba o Manolo Sanlúcar. Colaboró en el disco de Camarón de la Isla "Soy Gitano" de 1989. Compuso e interpretó a la guitarra el disco de José Mercé "Del Amanecer...".Obtuvo el premio de guitarra de concierto en el Concurso Nacional de Córdoba en 1989. Con sus trabajos en solitario ha obtenido diversos reconocimientos, como el galardón flamenco de los 'Premios de la música'.La música de Vicente Amigo, siempre inspirada en la poesía andaluza, autores tales como Rafael Alberti, o Federico García Lorca, junto a su manera de captar todo el sabor mediterráneo oriental del sur de España, es de lo mejor que en guitarra flamenca se produce. No es de extrañar que su éxito haya sido rotundo, sus colaboraciones dentro y fuera del flamenco, unido a su capacidad de composición exquisita y excepcional, hacen de Vicente Amigo un artista completísimo y de un carácter en sus melodías que imprime calma y arrebato en una perfecta armonía.

Hank Garland
Mencionamos a este guitarrista como uno de los pioneros del rock ya que era el guitarrista del Elvis Presley y muchas de las figuras que la guitarra le daba la caracteristica a las canciones de rock de Elvis Presley, fueron creaciones de este excelente guitarrista. Walter Luis Garland (11 noviembre 1930-27 diciembre 2004), mejor conocido como Hank Garland, fue una de Nashville músico de estudio que se realizó con Elvis Presley, Patsy Cline, Roy Orbison y muchos otros.Nacido en Cowpens, Carolina del Sur, Garland comenzó a tocar la guitarra a la edad de 6. Apareció en programas de radio locales a los 12 y fue descubierta a los 14 años en una tienda de discos de Carolina del Sur.[1] Se mudó a Nashville a los 16 años, permaneciendo en el hotel-pensión Upchurch Ma, donde compartió habitación con derecho bajista Bob Moore y violinista Dale Potter .A los 19 años, grabó su Garland millones de copias vendidas éxito "Sugarfoot Rag", aunque algunos atribuyen la canción a Bernie B. Smith, Jr., publicado dos años antes por MM Cole / IMC como "Reel de Bernie". Una versión instrumental fue la apertura y el tema de cierre de ABC-TV Ozark Jubileo 1.955 hasta 1.960. Garland apareció en el Jubileo con Grady Martinbanda de s ', y Eddy Arnolds ' de la red y sindicado programas de televisión.Él es mejor conocido por su trabajo en grabaciones de Elvis Presley desde 1957 hasta 1961 que produjo tal rock hits como "Little Sister", "I Need Your Love Tonight" y "Big Hunk O 'Love A". Sin embargo, Garland también trabajó con muchos de música country , así como el rock and roll estrellas n de la década de 1950 y comienzos de 1960 como Patsy Cline, Brenda Lee, Mel Tillis, Marty Robbins, los Everly Brothers, Boots Randolph, Roy Orbison y Conway Twitty. También tocó con artistas de jazz como George Shearing y Charlie Parker en Nueva York y grabó Jazz vientos de una nueva dirección, mostrando la evolución de su talento. Garland murió el 27 de diciembre de 2004 de una infección de estafilococos en Orange Park, Florida. Le sobreviven dos hijas, Cheryl y Debra.

George Harrison
George Harrison MBE (Liverpool, Reino Unido, 25 de febrero de 1943 – Los Ángeles, Estados Unidos, 29 de noviembre de 2001) fue un músico, compositor, cantante, productor musical y productor cinematográfico británico, integrante de la legendaria banda The Beatles. Tras la disolución del grupo en 1970 siguió una prestigiosa carrera musical tanto en solitario como dentro del supergrupo Traveling Wilburys, oculto tras los seudónimos de Nelson Wilbury y Spike Wilbury. Asimismo, desarrolló una carrera de productor cinematográfico, creando la compañía Handmade Films en la que dio cabida como actores a gente de la talla de Madonna y los Monty Python. En 2003 la revista Rolling Stone puso a George Harrison en el puesto número 21 en la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.

Tony Iommi
Frank Anthony Melby Iommi(Tambièn conocido como:El Mal (nacido el 19 de febrero de 1948 en Aston, Birmingham, Inglaterra) es el guitarrista principal del grupo de heavy metal "Black Sabbath", incluyendo la que fue Heaven and Hell junto al legendario vocalista Ronnie James Dio, Geezer Butler y el anterior batería de Black Sabbath, Vinny Appice. Es considerado unos de los guitarristas más importantes influyentes en la historia del Hard rock, y el padre de muchos de los riffs utilizados en el Rock, Hard rock y el Heavy metal. Tony aparece en el puesto número uno de los mejores guitarristas de la historia en la revista Guitar World.1 Su carrera ha sido caracterizada por el uso de su guitarra Gibson SG negra desde sus inicios como músico, como también la afinación que le aplico al instrumento en C# producto de un accidente. También es conocido como El "Padre del Heavy Metal".Iommi comenzó con la guitarra inspirado en los grupos que le gustaban de adolescente, Hank Marvin & The Shadows. En 1967, Iommi había tocado con algunos grupos de blues, y formó un grupo llamado Earth Iommi con tres conocidos de sus días escolares: el bajista Terry "Geezer" Butler, el baterista Bill Ward, y el cantante John "Ozzy" Osbourne.La carrera de Tony como guitarrista estuvo a punto de terminar prematuramente cuando sufrió un accidente horrible en una fábrica de metal en plancha. Una de las máquinas le rebanó la punta de los dedos de su mano derecha. Deprimido se convenció de que sus días como guitarrista habían terminado. Fue entonces cuando un amigo le habló del guitarrista Django Reinhardt, que perdió la movilidad de dos dedos en un incendio en el campamento gitano donde vivía, pero que aun así siguió tocando. Esto inspiró a Iommi para seguir con la guitarra, viéndose en su situación se fabricó el mismo al saber de metalurgia, una extensión metálica moldeada a su dedo y continuó, ya después unas pequeñas prótesis de goma para sustituir las puntas de sus dedos.Poco después de esto, Iommi recibió un tentador ofrecimiento: unirse a la banda Jethro Tull en 1968, que él aceptó renuentemente. Fue el guitarrista que sustituyó a Mick Abrahams, tras abandonar este último la banda en dicho año. Permaneció sólo diez días con la banda y actuó sólo una vez con éstos,2 (para la grabación del espectáculo Rolling Stones' Rock and Roll Circus, en el que se le puede ver en la edición en vídeo del mismo), Iommi dejó a Jethro Tull para volver con sus compañeros en Earth.

Jimmy Page
Jimmy Page OBE (nacido bajo el nombre de James Patrick Page el 9 de enero de 1944 en Heston, Middlesex, Inglaterra) es un afamado guitarrista conocido por haber sido uno de los líderes del grupo de rock Led Zeppelin desde 1968 hasta su disolución en 1980, y está considerado uno de los más grandes, influyentes y versátiles guitarristas de todos los tiempos.1 Page ha sido, a lo largo de su carrera musical, músico de sesión y guitarrista de The Yardbirds, Led Zeppelin y The Firm. Además, ha colaborado, en calidad de músico de sesión, con multitud de formaciones y autores musicales, entre los que destacan The Rolling Stones, The Who, Queen, The Kinks, Eric Clapton o Jeff Beck. A su vez, grabó varios álbumes con artistas de la talla de David Coverdale, Roy Harper o Joe Cocker. En 2005, fue galardonado como miembro de la Orden del Imperio Británico por su labor de caridad en ayuda de las personas más desfavorecidas de Brasil.2

Yngwie Malmsteen
Yngwie J. Malmsteen, (pronunciado en inglés /'??ve? 'm??lmsti?n/) es un virtuoso guitarrista y compositor sueco, cuyo nombre real es Lars Johan Yngve Lannerbäck. Nació el 30 de junio de 1963 en Estocolmo, Suecia. Participó activamente en grupos como Steeler y Alcatrazz. A Malmsteen se le atribuye la mayor influencia en la creacion del subgénero conocido como Metal neoclásico y uno de los grandes exponentes de la técnica Shredding en la guitarra eléctrica durante la década de los Años 1980.Yngwie Malmsteen nació el 30 de junio de 1963, en Estocolmo, Suecia.A la edad de 7 años vio en la televisión un documental de la muerte de Jimi Hendrix, donde vio que Jimi quemaba la guitarra. Yngwie al ver esto se dijo a sí mismo "Yo quiero hacer eso", y aquí es donde comenzo a estudiar como tocar la guitarra.Emigró a los EE.UU. a la edad de 17 años.Luego formo parte de 'Steeler'. Grabó con dicha formación el único álbum de la banda. Dentro de ese álbum, el solo de guitarra de "Cold day in hell" o la introducción de 3 minutos del tema "Hot on your heels", ya dejaba entrever un guitarrista con un talento y dotes innegables. En el primer concierto con la banda, hubo como público unas treinta personas. Tanto impresionó a esa poca gente, que la voz se corrió por todo el estado y a su siguiente concierto acudieron grandes mitos del Rock, quienes quedaron asombrados por la capacidad del sueco con el instrumento, quien mezclaba velocidad y virtuosismo como si de un juego se tratara.Más tarde abandonó Steeler para unirse a un proyecto mucho más ambicioso, Alcatrazz, en el que se encontraba el vocalista ex-Rainbow, Graham Bonnett. Juntos grabaron el álbum "No parole from Rock ´N Roll", con algunos temas compuestos en gran parte por Malmsteen. El grupo cosechó numerosos éxitos, sobre todo en Japón. En aquel país dieron gran cantidad de conciertos. Los miembros de la formación en seguida se dieron cuenta que el público básicamente iba a ver a Malmsteen. Antes de salir al escenario, la gente coreaba su nombre: "¡Yngwie, Yngwie!". Durante los conciertos, era el centro de todas las miradas. Más tarde, aprovechando el tirón que tuvo con Alcatrazz, decidió iniciar su carrera en solitario, la cual comenzó en 1984. El público enseguida reconoció el talento de Malmsteen con el instrumento, recogiendo premios ese mismo año por numerosos medios de comunicación especializados de Norteamérica, como mejor nuevo talento, mejor guitarrista, etc. Al mismo tiempo, el reconocido guitarrista Steve Vai sustituyó a Malmsteen y Alcatrazz fue perdiendo popularidad rápidamente, pese a publicar el álbum Disturbing the Peace.Luego su proyecto '"Yngwie Malmsteen's Rising Force"' que inicialmente seria un proyecto instrumental paralelo a Alcatrazz, vería la luz en 1984 con el cual se dio a conocer al hacerse acreedor a una nominación a los premios Grammy y lograr que el disco estuviera en el top 100 en ventas. De este álbum se destacan clásicos como "Black Star","Far Beyond the sun" y "Evil Eye".Fender fabrica una guitarra con su nombre y pasa a ser "Yngwie Malmsteen Stratocaster" Yngwie Malmsteen Stratocaster signature.

Joe Satriani
Joe "Satch" Satriani es un guitarrista de rock instrumental. Ha recibido 15 nominaciones a los Premios Grammy y ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo.1Según otros guitarristas ha conseguido dominar casi todas las técnicas de ejecución de su instrumento, incluyendo tapping a dos manos, sweep picking, volume swells, tap harmonics, etc. Además es reconocido como un gran profesor de guitarra, entre cuyos alumnos se incluyen Steve Vai, Alex Skolnick (Testament), The Edge (U2), Reb Beach (Whitesnake) y Kirk Hammett (Metallica)Joe Satriani ha sido reconocido desde sus inicios como un músico de elevadísimo nivel instrumental, desde su consolidación con el célebre disco Surfing with the alien, lanzado a fines de los años '80. Su versatilidad, su limpieza y su creatividad a la hora de tocar y componer le han hecho merecedor de elogios de parte de un sinnúmero de músicos famosos, en su mayoría colaboradores que han compartido escena con él. Uno de los más recordados elogios del último tiempo es el que Sammy Hagar, ex vocalista de Van Halen, emitió acerca de Satch, al referirse a él como El mejor guitarrista con el que he tocado alguna vez, refiriéndose a su versatilidad para tocar hard rock, heavy metal, jazz y blues con igual facilidad y destreza. Sin embargo, Joe Satriani ha destacado no sólo como un gran guitarrista, sino también por su calidad de Multiinstrumentista, plasmada en sus discos por sus ejecuciones de armónica, teclado, bajo, canto e, incluso, un solo de banjo en el concierto acústico que Stevie Ray Vaughan grabó para MTV en el año 1989, publicado en 1990.Su estilo ha trascendido en casi tres generaciones musicales, y a día de hoy es un respetado referente de la música moderna, tanto por sus discos como por sus clínicas y lecciones, en las que enseña a guitarristas de todo de nivel su técnica a la hora de tocar. Se le considera por los más audaces como uno de los padres del estilo shred, e incluso se le ha llegado a tomar como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

Steve Vai
Su estilo ha trascendido en casi tres generaciones musicales, y a día de hoy es un respetado referente de la música moderna, tanto por sus discos como por sus clínicas y lecciones, en las que enseña a guitarristas de todo de nivel su técnica a la hora de tocar. Se le considera por los más audaces como uno de los padres del estilo shred, e incluso se le ha llegado a tomar como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.Aunque las contribuciones de Vai a otros materiales se han visto obligadas en gran parte por el estilo rock o heavy-rock, su propio material es algo más ecléctico. El estilo de Vai se ha caracterizado como movido y angular, debido a su conocimiento profundo de la teoría musical, su facilidad y magnífica técnica con el instrumento. Vai ha sido acreditado con el reciente renacimiento de la guitarra de siete cuerdas, y ha usado guitarras de dos y tres mástiles.Un interesante punto a notar es el compromiso de Steve Vai con la práctica. En varias revistas de guitarra y textos, declaró practicar ocho horas por día, un hábito que comenzó temprano en la secundaria.